catriel dibuja

Otra bicha y otro texto alquímico

2012-02-09T08:00:00.000-08:00

"Un rostro inofensivo" 39x92cm Acrílico y collage sobre MDF

Estos formatos tan apaisados son difíciles, tienden a llenarse de paralelas o de triángulos en las direcciones generales. Y se hace difícil componer. Esta vez traté de hacer que la serpiente vuele, pero sin hacerle alas, y me quedó como nadando. La puse en bajo contraste con el fondo, en una clave intermedia alta. Y el contraste lo puse en la tierra. También ayudan las ondas, dan como algo acuático...
Pareciera que está por comerse el huevo. Pero el huevo parece ser una semilla, porque está germinando. Le está saliendo una estructura por arriba. Así que puede ser que crezca desde adentro de la serpiente, una serpiente-arbol.
Encontré un texto de Jung esta vez, más complejo que el anterior de la discípula:

El Tractatus Aristotelis contiene un pasaje importante que ilustra la psicología del alquimista:
La serpiente es más astuta que todos los animales de la tierra; por debajo de la belleza de su piel muestra un rostro inofensivo y, cuando está sumergida en el agua, forma, por la ilusión, igualmente como una materia hipostática. En el agua reúne la serpiente las fuerzas (virtutes) de la tierra, esto es, su cuerpo. Como es muy sedienta, bebió desorbitadamente, de suerte que se embriagó y logró que desapareciera (decipere) la naturaleza a la cual está unida.
La serpiente es el mercurio que, como sustancia fundamental (hipostática), se forma asimismo en el agua y devora la naturaleza unida a él (véase figura 87) (el sol que se anega en la fuente de mercurio; el león que devora al sol, véase figura 120; Beya que disuelve en si a Gabricus). La materia se forma por ilusión, que necesariamente es la del que trabaja en la obra. Esta ilusión podría ser la vera imaginatio, que posee fuerza informadora. ("Psicología y Alquimia" Jung, SANTIAGO RUEDA EDITOR 1957, p. 274)

Lo del león que devora al sol está un poco en el collage, pero es la serpiente devorando, o por devorar, al huevo. Tanto el huevo como el sol son símbolos del si mismo. Pero en el sol se acentúa el carácter de mandala, en cambio el huevo generalmente es de donde va a nacer el si mismo generalmente personificado, como niño divino. En el collage también es una semilla. Pero la serpiente es mucho más compleja que el león, es más primitiva, pero menos animal, menos salvaje.

Lo que llego a interpretar es que algo, una personalidad, una actitud, la serpiente, se sumerge en el inconsciente, el agua. Esa personalidad que es la serpiente se sumerge y toma tanto de las profundidades que se disuelve. Pero por medio de la atención consciente, enfocada mediante la imaginación activa se crea la materia. La materia es la primera fase del símbolo que se tiene que desarrollar. Se desarrolla mediante la obra, la producción de obra.

figura 87

figura 120

Simbolismo de la Serpiente (Jung)

2012-02-01T10:42:00.000-08:00

Simbolismo de la serpiente

"Serpiente mudando exoesqueleto" 50x85cm Acrílico y Collage sobre MDF

Quedó con una expresión rara la serpiente. En general las hago más hieráticas a las serpientes, pero acá salió mirando. La estructura que está a la izquierda es como si se estuvieran derrumbando, como si la serpiente se estuviera liberando de una especie de máquina que tenía incorporada, como un exoesqueleto. Como cuando una serpiente cambia de piel.
Técnicamente está en la línea de la pintura anterior, tiene la misma pátina neutra con veladura naranja. Pero acá la trabajé mucho más con collage, y está más parecida a la serie en que venía trabajando, pero en un formato mayor.
Busqué un texto de la discípula de Jung, Marie Louise von Franz. Es sobre el simbolismo de la serpiente:

Como todos los animales, la serpiente representa una parte de la psique instintiva, muy lejana de la consciencia. Jung dice esto sobre la serpiente:
Los reptiles han sido desde tiempos antiguos símbolos favoritos del substrato psíquico colectivo, que se localiza anatómicamente en los centros subcortical, el cerebelo y la médula espinal. Dichos órganos constituyen la serpiente. Los sueños con serpientes son frecuentes, por tanto, cuando la mente consciente se está desviando de sus bases instintivas.
Soñar con una serpiente es una señal de que la consciencia está muy lejos del instinto. Demuestra que la actitud consciente no es natural y que hay una personalidad dual artificial que parece, en cierto modo, demasiado bien adaptada y demasiado fascinada por el mundo exterior y, en cierto modo, inclinada a fracasar irremisiblemente en momentos decisivos. En tales casos, continúa Jung, descubrimos que siempre existe una especie de secreta atracción con el doble interno que falta, que uno teme y ama como elemento que le permitiría recuperar su totalidad. Por eso, en mitología, la serpiente es esencialmente doble. Despierta miedo, envenena y trae la muerte; es una enemiga de la luz y al mismo tiempo un salvador en forma animal; un símbolo del Logos y de Cristo. Cuando aparece en esta última forma, representa la posibilidad de volverse consciente y entero. En lugar del conocimiento intelectual, promete un conocimiento nacido de la experiencia interna inmediata: perspicacia, sabiduría secreta: gnosis.

(Marie Louise von Franz, 2006, Ed. Kairós. "El Puer Aeternus" p.121)

Verano Porteño

2012-01-26T15:01:00.000-08:00

"Verano Porteño" 72x55cm Acrílico y Collage sobre MDF

Están empezando a salir las pinturas de esta serie. El otro día terminé esta. Está muy diferente a lo que venía pintando. Hubo un momento en el cual vi una forma como un bicho, parecido a los de Víctor Chab. Pero se me terminó humanizando bastante. Y el gusano se insinúa un poquito de claroscuro. Tiene un efecto raro, porque con bichos medio siniestros, pero es una imagen luminosa. Es una clave intermedia alta bastante menor, y con colores cálidos. Con el ojito celeste levantó mucho, y le tuve que enfriar algunos de los otros ojos.

Me costó muchísimo resolver esta pintura. Hasta que la terminé estuve con la sensación de que era un desastre. Fue ese gris claro del fondo el que definió todo. Después lo aclaré en algunas partes. Tiene un efecto espacial bastante ambiguo. Porque la serpiente está modelada, la figura un poquito también. Y los planos de valor funcionan como pantalla, sugieren profundidad. Pero al la vez el planteo general es plano.

Acá hay una foto del "Devorador Nocturno" de Victor Chab:

Esto no es como Venecia

2012-01-07T10:28:00.000-08:00

Estuve mucho tiempo sin pintar. Aguantándome las ganas.Necesitaba un poco de perspectiva. Ver como es mi vida sin pintar para saber porqué pinto. Volví el jueves. Nos juntamos con Stefano y Rocío a hacer estudios al aire libre. Bueno no tan "aire libre", fuimos a Constitución, ahí donde se entremezclan las autopistas, en San Juan y 9 de Julio. Estrené mi atril de campaña nuevo, es uno de aluminio que tiene un bolsito para guardarlo, muy lindo. En el camino me compré un bastidorcito de 27x35. Y pinté con acrílico.

Antes pintaba con óleo las manchitas. El acrílico está bueno porque podés seguir pintando arriba a medida que se seca, entonces en una misma sesión se puede ir avanzando por capas. En cambio con el óleo hay que raspar lo que pusiste para pintar encima. Incluso se pueden hacer veladuras con acrílico. El problema es que te limita la variedad de color, las sutilezas de matiz, porque se te seca en la paleta, y cuando mezclás los colores se te van secando más rápido. Y el acrílico a medio secar tiende a hacerse como grumos, y te queda bastante roñosa la pintura. Además hay que estar limpiando la paleta, humedecer el acrílico que se pegó, para que se desprenda y poder rasquetearlo...

Pero lo importante es que alcancé a intuir algo de lo que me venia faltando. Tengo que estar más conectado con otros para pintar más y mejor. Es algo que pasa sin que uno sea consciente, pero es como si a un nivel más profundo uno estuviese conectado con los demás. Y hay algo adentro de uno que se activa y es una fuente de energía. Y el pensamiento habría que usarlo para crear las situación donde esas fuerzas entran en juego, y jugar.

PD:

Exposición de Faradje en el CC Recoleta

2011-12-16T18:07:00.000-08:00

La verdad que no pensaba ir a la inauguración, me desconecté mucho de todo ese ambiente. Iba a ir después tranquilo. Pero volvía de trabajar, estaba en Once, en la terminal del Sarmiento y crucé a comer en Banchero, no había casi nadie ahí. Es rarísimo, a esa hora en Once está lleno de gente y los bolichitos para comer están llenos. Bueno, Banchero no. Y ahí me puse a mirar los cuadros grandes que tienen ahí, tipo murales. Muy buenos, unos paisajes de La Boca. Salí, caminé 2 metros para la izquierda, para el lado de la parada del 98. Y me dí vuelta, me puse a caminar para el otro lado, y caminé hasta el CC Cutural Recoleta. No pude no ir.
La verdad que hice bien, increíble la muestra.

En las fotos lo que llama la atención es el cambio en el contenido, en los temas. Todo el trabajo sobre el peronismo, y además aprovechó el rojo que siempre usa para representar a los federales. Pero cuando uno entra lo más impresionante es la presencia que tienen las obras en cuanto a la factura. No son como los de la serie anterior. Estos tienen mucha más fuerza, son mucho más informalistas. Algunos tienen mucho relieve, les pegó como unos masacotes de hilo, enchastrados con cemento de contacto. Pero con un relieve como de 10cm. con ese relieve los soldaditos de plástico y los avioncitos que pega se intergran. Y está trabajando sobre madera terciada. Y usa mucha encáustica. Es rarísimo el efecto de las texturas. La encáustica tiene una textura mate, y es traslúcida, y en algunos me parece que usó esmalte sintético, más que nada rojo. Y al lado de la encáustica el sintético brilla mucho.

Bueno, no se... vayan a verla mientras todavía quedan catálogos!

El aspecto devorador de la pintura

2011-12-01T10:30:00.001-08:00

Es común que la gente aficionada a la pintura diga que le gusta pintar porque ahí se olvida de todo, es como una terapia...

Eso es muy bueno, y es verdad. Pero a los pintores, la gente que está especializada, que sabe pintar, que pinta bien, les pasa otra cosa. O la misma. Es común que los pintores tengamos problemas precisamente con eso. La pintura te hace olvidar de todo, pero eso genera locura ¿No es raro? Para unos eso es "como una terapia" y a los otros los vuelve locos. No locos locos, pero uno se cuelga, pierde la perspectiva frente al mundo real, incluso puede tener un ligero delirio, la pintura lo vuelve a uno medio megalómano. Hay pintores que creen que están salvando al mundo con lo que pintan. Y tiende a tomar todo. Al principio cuando uno estudia tiene que usar la fuerza de voluntad para concentrarse y ponerse a pintar, después lo difícil es parar.

Me parece que lo que tengo que hacer es primero tener cierto control sobre mi vida, ordenar, relacionarme con el mundo real. Dentro de sa estructura darle un espacio a la pintura, y soltarla ahí, y que haga lo que quiera. Después volver.

La Reina de las Víboras

2011-12-01T10:27:00.001-08:00

Esta es la segunda parte de esta serie de collages, son un poco más grandes. Miden 30x30cm. Es complejo componer en un espacio cuadrado. Siempre me olvido, pero complica bastante... Todo tiende a quedar en el medio, enseguida predominan direcciones ortogonales, un quilombo...

Pero bueno, acá están. Son un poco más sutiles que las anteriores, más trabajadas.

Como a las anteriores las empecé con lápiz, sobre una base turquesa. Dibujo con lápiz y regla. Creo que eso es algo que se me impregnó cuando vi la muestra de Lopez Osornio. Él es un concreto, pero no del todo. La estructura es concreta, incluso la forma, pero la factura no. Trabaja con cinta, pero después usa veladuras medio desprolijas, pega y arranca papel, muestra la pincelada. No fue algo intencional, creo que la mejor manera de influenciarse es esa, cuando algo queda impregnado en uno. Después eso se puede analizar, ahí ya se pueden sacar conclusiones y modificar el método de trabajo. Llevar esa intuición hasta sus consecuencias.

Turquesa 1

2011-12-01T10:00:00.001-08:00

Son unas maderitas de 30x19cm. Estoy tratando de trabajar más por serie. Y empecé a usar regla.

Me parece que el collage se presta mucho a trabajos más basados en el dibujo, algo espontáneo, abocetado. Como un paso previo para un proyecto más complejo. Porque en la cantidad salen cosas interesantes.

"MURAL DE PROTESTA INDIGENISTA" en obra

2011-11-13T11:06:00.001-08:00

Una nena pasó por enfrente y dijo "¡Mirá mamá, están pintando un dragón!". En general los chicos entienden mejor que los grandes mis murales. Era una nena de unos 8 o 9 años.

La calavera es de lobo,generalmente el dragón tiene cabeza más bien de caballo. Pero de lobo también lo hace un dragón, ya no es una serpiente, la cabeza de serpiente es muy distinta. Y le agregué flequitos, tiene más pinta de Quetzalcoatl. Una estudiante de periodismo me dijo que este es un mural de protesta, será porque la mitología americana lo transofrma en un mural "indigenista" . No dijo "indigenista", pero eso era la idea. Osea... no entendió, en cambio la nena si.

¡¿ Está mostrando el orto?!

2011-11-02T15:25:00.000-07:00

¡¿ Está mostrando el orto?!

Si, está mostrando el orto. Es raro que soprenda tanto siendo que es lo que se ven en la tele a cualquier hora que uno la prenda, todo el tiempo. Y sin embargo en un mural la gente pasa y se lo pregunta a los gritos.

Antes pasó otra cosa curiosa. El primer día fui y tracé algunas figuras, una especie de chica-sirena en el Riachuelo, con el puente viejo atrás y los silos. A la derecha todavía se ve un poco del Cthulhu que pensaba poner, y en una parecita vertical del medio había puesto una Cthulita. Y mandé algunos planos de color

Esa primera idea no funcionó. Desde enfrente lo único que se veía eran las puertas y la persiana. Es una pared con demasiada arquitectura como para una composición débil. Quedaba tan mal que ni siquiera me pareció necesario sacar fotos de eso. Me puse a dibujar y al final encontré una composición que me servía, una estructura de valor en aguada. Así que me puse a pintar esa estructura encima de los planos de color.

Al otro día la gente me preguntaba porqué borré la chica. Pero no una sola persona,cinco. Y decían que la gente hablaba de eso, nadie entendía porqué había borrado a la chica. Y no estaba bien hecha, estaba dibujada de memoria.

A la gente de por si no le gusta la estructura. No le gusta que uno empiece con direcciones y planos de valor, y que vaya con el color de a poco. Esperan que uno dibuje primero las figuras y vaya coloreando. Pero lo que les parece una atrocidad es primero dibujar las figuras y después taparlas con una estructura que no tiene nada que ver.

Otro problema era que en la primera idea no había puesto el zócalo negro. Y las figuras salían del piso.
Cualquier coche que estacionara adelante arruinaba toda la composición. En cambio ahora los valores recorren toda la superficie, y la figura y las partes importante del tema están bastante altas.

Igual falta mucho, tengo que diseñar la estructura de valor de lo que falta.

Krokodil

2011-10-24T10:22:00.000-07:00

"Krokodil" 70x90cm, acrílico sobre tela.

Tiene cierto aire grafitero esta pintura. Por estas formas modeladas con colores saturados, algo en el ritmo.

Es algo sutil, pero está. Últimamente estuve mirando muchas fotos de grafiteros. Le empecé a prestar más atención al graffiti cuando vi a los 12 Brillos en Mendoza, tienen un nivel que yo nunca había visto.

Es raro como uno se impregna de lo que va mirando, de lo que le gusta. Aunque hace falta ser sincero con lo que uno pinta para que eso pueda manifestarse ¿Que sería ser sincero?

Primero hay que hacer, y después criticar. Es un poco lo mismo que cuando uno empieza a trabajar con un proyecto propio. Hay gente que se pierde al principio. Dicen "Tengo que sacarme de encima todo lo que me enseñaron para hacer algo original", "Tengo que dejar la crítica de lado para poder expresarme", cosas así...

Eso no es ser sincero, es una sinceridad a medias. Terminan pintando basura, cosas espantosas, y en el fondo saben que eso es basura, si son sinceros. Pero lo contrario tampoco funciona. A alguna gente le pasa que ya sabe ver, sabe lo básico de la pintura. Pero no produce porque empiezan a criticar antes de hacer. Y entonces hacen siempre lo mismo que sus maestros. No hacen algo suyo, y por eso no se entusiasman, y terminan pintando a un nivel por debajo de sus posibilidades. Me parece que lo que hay que hacer es primero dejarse llevar, pintar mal, equivocarse, no criticar. Y después si. Después hay que criticar eso, ver qué es lo que no está funcionando, y arreglarlo, aunque sea un poco. A veces uno termina pintando mucho mejor que antes porque fue ajustando detalles que no funcionaban, uno a la vez. Pero para ajustar esas cosas primero hay que arriesgarse. Es decir, cometer muchos errores y después arreglarlos. Y al arreglarlos uno termina haciendo algo mucho mejor de lo que hubiera hecho si hubiese estado bien desde el principio. Ser sincero implica poner en juego las distintas partes de uno mismo que están en conflicto.

Sin collage

2011-10-19T08:02:00.000-07:00

"Caracol Solar" acrílico sobre tela 70x90 cm

Me compré 4 bastidores de 70x90. Estoy tratando de pintar con un proceso más lineal, sin tantas vueltas. Dibujando más, respetando más el boceto. Por eso es sin collage. El collage no lo usaba tanto por la textura, sinó porque me permitía hacer algo más intuitivo. Uno cuando hace collage puede ir presentando los papeles sobre el soporte y ver como quedan. Y así uno va eligiendo. Y eso me llevaba a dar vueltas, un proceso que era armar cosas y destruirlas parcialmente, y quedaba la textura del collage tapado con pintura. Lo que veo en el resultado es que así pinto con más modelado, como acercándome al claroscuro. Un poco parece una ilustración así. Pero no me molesta demasiado, esas cosas hay que ir asumiéndolas. Quizás esta forma de trabajar me permita meter figura humana, con el collage resultaba algo más concreto y se complicaba. Nunca me gustó hacer la figura demasiado sintética, estilizada.
¿Se ve la serpiente?
Es como un ave-caracol-serpiente. Y el Sol atrás, pero no demasiado redondo. Me gusta como el borde izquierdo del plano amarillo, arriba a la izquierda, y el borde de la sombra azul, abajo a derecha, contienen la espiral.

Algo que me complicó fue que el bastidor no tenía la proporción del bloc, un MERIDIANO Nº3, donde dibujé el boceto. Pero no está del todo mal. Matisse decía que cuando uno pasa una imagen a un formato más grande había que concebirla de vuelta, no hacerla igual pero más grande. El cambio de formato cambia todas lasa relaciones, y hay que ajustar todo.

MUCHO COLLAGE-POCO COLLAGE

2011-10-04T05:26:00.000-07:00

Sigo con estos bichos en acrílico y collage. Este es sobre fibrofácil, por eso tiene mucho collage.
En cambio este es sobre tela:

Los colores no salieron muy bien en la foto, los ocres se saturaron...

Pero igual se ve que tiene menos collage. Eso es porque sobre la tela es complicado pegar papel, , entonces me limito a ponerle un poquito de collage apenas, papeles chiquitos fáciles de pegar. Con el collage voy ajustando algunas formas, creando algunas tensiones, y nada más.

En general prefiero el soporte rígido, es más sencillo para trabajar, pero me limita en el formato, un cuadro grande en fibrofácil resulta pesado, difícil de manipular. Sobretodo si lo enmarcás, es pesado y podés romper el marco cuando lo trasladás.

Pero limitar el uso del collage es interesante.

En el collage de arriba empecé con el soporte negro, abajo en el medio se ve el negro del principio, le da fuerza a la imagen. Me parece que el negro queda bien con esos fondos casi blancos.

1er Encuentro de Arte Público en la Ciudad de Mendoza (Mosaico Gigante))

2011-10-02T07:36:00.000-07:00

Acá está el mosaico , ubicado en el Parque Central, con una personita adelante para que vean la escala...

Y esta es una foto sin reflejo.

La información oficial sobre el encuentro está acá: http://www.ciudaddemendoza.gov.ar/noticias/nota/1858#titulo

Me gustó mucho este encuentro. A diferencia de otros encuentros acá trabajamos todos sobre la misma obra, así que pudimos encontrarnos más. No es lo mismo que pintar todo el día solo y recién encontrarse con los demás a la noche.

La obra estuvo dirigida por Carpita, que armó un primer diseño del espacio compositivo:

El primer día nos juntamos todos a bocetar, cada uno llevó lo que había preparado. Hubo que componer con todos esos bocetos, de relacionar esos bocetos se ocupó más que nada Carpita. De ahí salió este boceto:

Yo trabajé con mis compañeros del Taller de Muralismo y Arte Público, pero los demás en general trabajaron solos su parte, salvo Calzoni.

Para mi lo mejor del encuentro fue conocer el potencial de la gente de acá de Bs As, mis compañeros del Taller de Mural. Ver como trabajamos en una situación así, exigente. Como trabajó cada uno. Y además conocernos más, convivir una semana. Es interesante que haya que hacer este recorrido para descubrir a la gente que uno tiene al lado.

Y lo que también fue fascinante fue la reacción de la gente que vino a trabajar participando del encuentro, que vino a aprender la técnica del mosaico moderno. Hubo 60 personas anotadas, pero fueron llegando más. Trabajamos con una técnica indirecta (que desarrolló el taller Jaguar Azul), pegando los cerámicos sobre una mediasombra, que después se corta y se aplica en la pared. Imagínense toda esa superficie del mural, entera, cubierta de gente sentada pegando cerámicos...

La gente que se acercó a participar trabajó muchísimo, y estaban muy contentos, no se esperaban algo así. Creían que era algo así como un taller de bricolage, donde se aprendía a pegar cerámicos. Y les gustó mucho hacer una obra así entre todos, la idea es que el año que viene esto siga, hacer algo aún más grande.

La película de Banksy

2011-09-18T12:17:00.000-07:00

La película de Banksy

En realidad no es sobre Banksy, es sobre Thierry Guetta, un tipo que filmaba a los artistas y los acompañaba a hacer las pintadas y las pegatinas. De hecho Banksy fue el que le dijo que mejor hiciera la película sobre él mismo.
Tierry Guetta es muy cuestionado por la gente que hace street art. Porque el tipo fue exitoso desde que empezó a producir obra, vendió un montón desde su primera exposición, y empezó de grande. Y la verdad es que lo que hace no tiene nada de especial. Pero creo que es como dice Banksy en la película, lo que hace Thierry es igual a lo que hacen los demás, pero él no es como ellos.
En la película cuentan que él perdió a la madre cuando era chico. Estaba en la escuela en el recreo y alguien le dijo "¿De que te reís? Tu mamá está muerta" y después se enteró de que si, había muerto. Y dice que eso tiene que ver con su obsesión por filmar. Él filmaba todo porque sentís lo efímero del momento, que eso se iba a perder para siempre. La desesperación por retener eso fue lo que lo llevó a filmar todo.
Yo creo que lo que encontró en el arte es una forma más adecuada para trabajar sobre eso, sobre esa necesidad tan intensa de trascendencia. Tardó en darse cuenta, pasó 5 años filmando a los artistas, y en ese tiempo aprendió mucho. Es mentira que él tipo no estudió, pasó 5 años aprendiendo con todos esos grosos. Y aprendió de la manera más tradicional, haciendo un trabajo de ayudante. Eso fue hasta que Banksy le dijo que debería producir obra, armar una exposición, servir un par de vinos...
Se llenó de plata. Pero porque él era un comerciante, no es que "se vendió" en vez de ser él mismo en su obra.
No se, mírenla, esta muy buena.

Un consejo de Picasso

2011-09-14T10:54:00.000-07:00

"Pihuichén"

Un consejo de Picasso

Antes de viajar a Mendoza otra vez quería publicar estas imágenes. Es acrílico y collage sobre fibrofácil, como los anteriores, los formatos son chicos o apenas medianos. Creo que los estoy juntando para ponerme a pintar grande, para usar de referencia , no tanto como boceto...

Ponerme a pintar grande y agarrar estos para ver como resuelvo cosas concretas. Igual en la tela no conviene pegar pedazos demasiado grandes de papel, porque se pegan mal, o arruinás la tela apretando, se "destensa". Así que algunas de esas soluciones que se ven acá voy a tener que hacerlas enmascarando con cinta de papel.

Para estas pinturas me vino bien algo que decía Picasso. Decía que hay que cuidarse de las cosas lindas que aparecen cuando uno empieza a pintar un cuadro, que la obra es es fruto de sucesivas destrucciones de lo que va saliendo. Que no hay que tener miedo de destruir lo que uno hizo porque en realidad no se pierde, todo eso se va sedimentando. Y es lo que le da profundidad a la obra.

"Retrato de un egipcio"

"Mandalita"

"Delfín"

"Turista japonés"

"Dragona"

"Huevitos de Dragón"

Mi mural en el 3° ENCUENTRO DE MURALISMO EN GODOY CRUZ - 2011

2011-09-04T14:59:00.000-07:00

Este es el mural que pinté este año en el encuentro de Godoy Cruz, Mendoza. Es en un centro de salud.
El violeta de abajo ya estaba en la pared. Yo no tenía pintura violeta ni magenta, así que aproveché el color que ya estaba, el resto de la pared era del gris que se ve por arriba.
El tema del encuentro de este año era "Vivienda digna y acceso a la tierra" así que hice a la chica jugando con una casa de juguete, el motivo se transformó en una casita que sale de una casa más grande, algo así como un parto. Pero al ser un centro de salud tuve que poner cosas relativas a eso también, así que la chica está envuelta en vendas y a la derecha hay una figura con un caduceo y la cruz roja:

A la izquierda pinté una figura que es como una alegoría de las enfermedades, algo así como un virus con cabeza de calavera:

Al principio me quisieron echar de esta pared. Porque la gente de la municipalidad había hablado con el director del centro y en ese momento él no estaba. Pero cuando vinieron las doctoras a echarme yo ya había dibujado en línea azul por toda la pared, de punta a punta.

Las fotos salieron bastante mal, las tuve que sacar a la tarde, y la pared estaba en contraluz.
Es que en los encuentros hay poco tiempo, y a veces no queda ni un momento como para sacar buenas fotos. Voy a tratar de conseguir unas fotos que estén mejor...

La pared estaba en las calles "Lago La Niña Encantada" y "Lago Correntoso". Es un barrio donde todas las calles tienen nombre de lagos.

Gambito y Gasalla

2011-08-18T10:29:00.000-07:00

"Gambito" 50x23

Me parece que lo que hace pintar cada vez mejor no es tanto un arendizaje técnico sinó el sentido. Ir encontrándole el sentido a lo que uno hace, y la expresión del sentido es la obra. Y no solamente las pinturas, es también todo lo que uno hace, es la obra entrelazada con el mundo. Y el sentido es lo que liga.
Por lo menos cuando uno ya aprendió lo básico de la técnica.
Pienso esto en relación con lo que estoy pintando ¿Cómo es que estoy pintando un cuadro atrás de otro si nunca pude? Antes pensaba más, dudaba, perdía el ritmo de trabajo. Salían menos pinturas, menos conectadas entre si...
En el sueño de "La casa de Attila" estaba el sentido. Pero lo tuve cuando ya estaba pintando la serie. Tiene que venir de antes, el símbolo tiene que estar en un sueño anterior.
Y si. Hay un sueño anterior, en el que se ve que ya se estaba cocinando esto:

Soñé con Gasalla. Había un acto en la Escuela de Bellas Artes, en la Belgrano. En laescenografía había unos biombos pintados. Afuera él estaba hablando conalguien, en la puerta. Terminé mostrándole unbloc con dibujos. No estaban muy buenos, pero en ese bloc después había unoscollages como los del TAROT, de ese papel.Estaban mejor. Y se movían, los collages eran de unos bichos, un bicho parecido a uno de miscuadros, color piel, con texturas y el fondo eran unos rayos fríos que semovían. Los bracitos, los ojos y la boca también y la cabeza se balanceaba.
Después había una escena con un nene verde, como las figuras de los oros, que lo tenían en brazos y giraba la cabeza para mirar alespectador. Yo pensé que debería pegarle rojo en los ojos. Lo sorprendente esque no era una animación. Las formas en el papel tenían un movimiento propio. Yyo las recortaba y pegaba. Seguían moviéndose de la misma manera que antes en elpapel entero.
Después estábamos mirando como unapelícula de mis collages. Y Gasalla me explicaba algo.

¿Que carajo hará Gasalla en mi sueño? ¿No? Lo significativo es que no es un pintor. Cuando uno le muestra su obra a un pintor, a un maestro, recibe una crítica. Cuando uno no sabe pintar es imprescindible. Pero cuando es momento de producir y de sacarse de encima todo lo que uno tiene adentro no hace falta la crítica. Hay momentos en los que hay que superar la autocrítica para pintar mejor. Dejar que lo que está adentro salga, sin interferir en su camino. Son momentos en los que hay que crear un canal. Un canal que sintonice con esa vibración, con esa onda.
Pero el sueño no se queda ahí. Además da una pauta sobre lo que tengo que pintar y cómo. Me remite al TAROT. Me dice que trabaje como cuando hice el TAROT, que empezaba cada carta y la seguía hasta que estuviera terminada, sin preocuparme por el resultado. Confiando en que todo se iba a acomodar en el conjunto. Y me dice que haga bichos.
Lo misterioso es eso del movimiento de los fragmentos de papel. Era fascinante el efecto. Habría que hacerlo, tendría que ser una animación, una videoinstalación. Pero también tiene que ver con darle dinamismo a la imagen por la composición, sin que esté animado.
Hace mucho, en el programa de Gasalla había una parte en la que iban artistas plásticos y mostraban sus cuadros. No se si era el mismo scketch en el que imitaba a Federico Klem...
Pero hay algo más. Es como cuando en los mitos hay un Dios que les enseña la técnica para producir algo a los hombres. A veces el Dios les enseña en sueños. Yo creo que es algo así este sueño.

Más cerca del mamarracho que de las obras clásicas

2011-08-08T11:11:00.000-07:00

Hoy leí una entrevista que le hizo Ñ a Carlos Alonso, es una maravilla. Creo que más interesante fue esto:

"¿Cómo ve el arte hoy? Recuerdo una muestra suya, hace unos años. Se acercaban muchos jóvenes a saludarlo, con mucho amor. ¿Cómo es su relación con los artistas jóvenes? Cuando tengo oportunidad de tener relación, en general es porque se acercan a mostrarme su obra, o a tener algún diálogo que ellos creen necesario, que ellos creen que puede aportarles alguna experiencia, que es lo que uno puede aportar a esta edad. En general, me llevo muy bien. Y cuando veo lo que producen, a pesar de que el panorama pareciera tener una dirección única, una mano única, yo veo muchas expresiones. Encuentro acá cantidad de gente joven que está dibujando y exponiendo dibujos, por ejemplo. Cosa que me sorprende gratamente, desde luego. Pero al mismo tiempo, recuerdo una frase muy significativa de Gauguin: “Yo quisiera que mi pintura se acerque más al mamarracho que a las obras clásicas”. Creo que acá se ha cumplido un poco esta premisa que quería para sí mismo Gauguin: sí, hay mucho mamarracho, ¿no? Pero eso no quiere decir que no sea legítimo. De pronto, si era legítimo para Gauguin puede seguir siendo legítimo que su tiempo exija del lenguaje una actitud menos severa, menos esteticista, o sea más vital, más subversiva, en fin. Es la juventud la que va encontrando cuál es el mundo que quiere reflejar, cómo lo quiere reflejar y qué parte del lenguaje heredado tiene validez y qué parte hay que reinventar. Siempre fue así en la historia de las artes, ¿no? Estaba leyendo recién en Internet un artículo sobre el Premio Petrobras. Cuando viví en Italia en 1971, conocí la obra de Piero Manzoni, el que hizo las latas de “Merda d’artista”. Quiero decirte que esta historia escatológica de los calamares no trae una novedad. No tiene el valor revolucionario o subversivo que podían tener ese tipo de cosas, o el arte povera, que también es de los años setenta. Quizás en ese momento estaba más politizado, ahora es más como un juego, como un desafío, en cierta medida. Lo curioso es que esa rebeldía se premia. Aquello creaba polémica, recalentaba el ambiente, y esto no siento que lo recaliente. No."

Y me llegó en el momento justo este texto. Yo siempre pinto con horror de hacer un mamarracho. En ese sentio soy muy tradicional. Y recién ahora estoy empezando a intentar divertirme más. Y que lo diga nada menos que Carlos Alonso, es... no sé , es el pintor argentino más tradicional que tenemos. Más que Roux ¿No? Creo que Roux es más académico, pero no más tradicional. Bueno, no importa. Lo importante es esto que dice.

Interpretacion de un sueño +8 collages

2011-08-04T09:28:00.000-07:00

"Murciégalo" 38x36

Hace unos 15 días yo le mostraba unas imágenes de murales del grupo Triángulo Dorado a Carpita. Dijo que es muy lindo lo que hacen, y que se ve que se divierten. Y que hay que divertirse cuando uno pinta. Y me dijo que yo me divierto. Y si, le contesté que con los murales me divierto, pero con la pintura de caballete no. Que no sé porque será...
Y me dijo algo clave "Es que vos no sos muralista, por eso te divertís. En cambio a la pintura de caballete la sacralizás mucho. Siempre partís de una crítica a sobre vos mismo, o sobre lo que hace otro. A mi me pasa al revés."
Eso es importante porque yo estaba convencido de ser muralista. Porque mis murales son mucho mejores que mis pinturas de caballete, en los murales realmente pinto mejor. Y me sorprendió darme cuenta de que pinto mejor porque no sacralizo lo que hago ahí. Así que después de esto intenté jugar más con la pintura de caballete. Jugar más enfocándome en el proceso, tratando de ver la técnica como si fuese las reglas del juego. Pero sin torturarme demasiado por el resultado final.
Usé soportes de fibrofácil, porque para usar collage la tela me limita. El collage permite ser más intuitivo.

"Tapita" 31x52

"Bucéfalo" 43x42

Intenté conservar el dinamismo del collage, no "ablandarlo siguiendo pintando demasiado arriba. Dejarle el contraste, incluso usé papel negro. En su libro "El Collage" Gowland Moreno recomienda usar papel negro, no explica bien porqué, y lo del soporte rígido también lo dice ahí. Otra cosa de ese libro que hice un poco fue probar los recortes de papel sobre el soporte vertical poniéndole un rulito de cinta de papel.

"El Diablo" 51x43

"Rabia" 36x43

"Con la ayuda de Dios" 38x33

Y entre que pintaba estas cosas una noche tuve este sueño:

"Era la casa de Attila. En las paredes había montones de cuadros que le habían regalado sus alumnos. Paro no eran ejercicios Attila. Eran como lo que hace la gente que pinta mal. Algunos estaban un poco mejor. Había uno en verdes neutros que tenía una estructura de valor. Muchos estaban totalmente combados. Se doblaban porque estaban sin enmarcar y eran de chapadur. Incluso había trabajos en papel pegados a la pared. En las paredes también había frases de Carpani, en esas letras impresas auto-adhesivas. Attila estaba en otra parte de la casa. Yo la recorría, no se si estaba bien. Por momentos se lo escuchaba. Había escaleras, era caótica la casa, un laberinto. Las pinturas no eran obras conceptuales, nada demasiado posmoderno, eran como lo que hace la gente que pinta murales feos...
En una había como un chanco azul matizado en pinceladas abiertas con violetas."

"Adán" 59x50

En ese momento no le presté mucha atención al sueño. Pero este fin de semana no pinté, y estuve pensando.

Y habría que interpretarlo al sueño:

Attila: Es el maestro de mis maestros. Yo estudié con Faradje, que fue alumno suyo. Y con Carpita estudié mural desde chico y él también estudió con Attila. Yo mismo estudié un poco con Attila, llegué a estudiar el mismo año en que murió. Era absolutamente metódico Attila, muy criticado por eso. Pero en realidad lo que hacía era plantearte el ejercicio más sencillo posible, y recién una vez que lo hubiste resuelto te daba otra cosa más compleja.
La casa de Attila: Es un lugar íntimo.No era la exposición de los alumnos. Y las obras se cuelgan en las paredes por el valor afectivo, más que con un criterio estético. También tiene que ver con que la charla con Carpita fue en su casa.
Las pinturas feas: Ningún alumno de Attila dibujaba cosas feas. Incluso la gente con más dificultades hacía croquis dignos. Attila cuando veía un laburo malo reaccionaba de una manera muy violenta.No es que lo de mi sueño fuesen pinturas especialmente malas. Era lo que se ve en todos lados, pero que lo tuviera él en su casa era increible. Estaban dobladas porque era chapadur, que tiende a combarse. Yo estoy pintando sobre fibrofácil, que es mucho más raro que se combe. Pero la cuestión es que el bastidor de tela es como más elegante.
Las frases de Carpani: El mes pasado vi dos obras suyas en el Museo del Bicentenario. Hace unos años leí su libro "Arte y Militancia". Según Carpani las imágenes están cargadas de sentimientos, y serían como una fuente de energía. La obra concentra las emociones de la gente canalizadas por el artista. Y por eso decía que es mejor trabajar colectivamente porque así se ponen en juego esos sentimientos, una energía más solidaria, más combativa, según la circunstancia. Y al final decía que lo mejor sería que lo haga la misma gente, que el especialista se ocupe más de organizar, de dar las herramientas.
El laberinto: El proceso de pintar tiene muchas vueltas, muchas posibilidades. Uno nunca sabe adonde va a terminar, nunca se llega al centro. Dice "no se si estaba bien" porque el perderme por ahí tiene algo de transgresor. La pintura como la enseñaba Attila no era un laberinto, más bien era una autopista bien señalizada.

Eso es lo que yo asocio con los elementos del sueño, pero el Laberinto además es un símbolo. En general se lo relaciona con ritos de iniciación, como hace Jung en este fragmento de Psicologia y Alquimia:

"Arisleo está en peligro de padecer el mismo destino de un Teseo y de un Piritoo, que en su nekya quedaron sujetos a las rocas del mundo de los infiernos, esto es, que la conciencia, que irrumpía en el espacio psíquico desconocido, queda dominada por las potencias arcaicas del inconsciente (...) En el mito heróico el objeto del descenso está caracterizado de manera muy general por el hecho de que en ese domino peligroso( profundidad de las aguas, caberna, bosque, isla , castillo, etc..) habrá de encontrarse el "tesoro difícilmente accesible" (joyas, virgen, elixir de vida, superación de la muerte, etc...)" ( C.G. Jung. Psicología y Alquimia, Buenos Aires 1957, pag. 360. Santiago Rueda Editores)

¿Entonces que quiere decir el sueño? Algo del "tesoro difícilmente accesible" encontré ahí, fueron unos días muy productivos. Encontré inspiración para pintar, para cambiar, eso si. El sueño trata de reconfortarme diciendo "Los Attilas también hacen pinturas feas, pero nadie las ve porque Attila las guarda en su casa". Es verdad que si hubiese seguido estudiando con un maestro pintaría mejor, pero el sueño muestra que pintando estoy encontrándome a mi mismo, que la pintura es parte de mi proceso de individuación. Si pintara bajo la dirección de otro (por buen profesor que sea) la pintura no me serviría para esto, tendría que perderme en otra parte, en otro aspecto de mi vida, el laberinto es inevitable. Y además ¿Que clase de artista quiero ser? ¿Quiero ser el que pinta mejor? Solamente los que saben pintar se dan cuenta de eso, es el camino para ser un pintor de pintores. Pintás MUY bien y podés enseñar a pintar muy bien. Yo no estoy hecho para eso. Y ahí entran las frases de Carpani. Las "imágenes cargadas de sentimiento" son una definición que da Jung de lo que es un símbolo. No creo que Carpani hubiera leído a Jung, pero llegó a la misma idea y desarrolló un proyecto. El artista como especialista que da las herramientas para la creación colectiva de símbolos. Símbolos que por su misma naturaleza son colectivos. Creo que eso es lo que dice el sueño. No se lo pude contar a mi analista porque está de vacaciones, de fue a una isla tropical.

"Mujeres" 35x50

Vivienda Digna y Acceso a la Tierra

2011-07-25T07:31:00.000-07:00

La semana pasada empezamos a hacer bocetos para el mural de Mendoza. A mediados de agosto vamos a viajar. El Tema tiene que ser "Vivienda Digna y Acceso a la Tierra". Por ahora eran manchitas para ir sacando una composición desde la abstracción. Pero sin pensarlo me había salido este paisaje con casita. Y es el que me había quedado más lindo.
Quizás tenga que ponerme a hacer este tipo de cosas para retomar el dibujo. Es lo que corresponde con el tipo de pintura que hago. Y combinar la aguada con el collage es algo que ya estoy haciendo desde hace tiempo. Mi problema es que las aguadas jamás me salieron bien. Pero así, empezando con el collage y ajustando después con la aguada puede funcionar.

Transformar la abstracción en paisaje

2011-07-23T08:05:00.000-07:00

bondage 2

24x30

Sin la figura me parecía que ya estaba terminado, porque es de pequeño formato. Pero al final no me aguanté y le agregué la figura de la chica. La hice recortando un papel medio violáceo que vibra bastante entre todos esos amarillos y ocres. Las cuerdas con las que está atada son de papel gris y negro. Me parece que al ser tan finitas no se hace un agujero en la imagen por el negro. Y el negro hace que el pelo no se vea tan oscuro. Tuve que pensar bastante para ver como poner las cuerdas, tenían que quedar según la posición de la chica.

En general me gusta transformar la abstracción en paisaje poniendo una figura chiquita. Es algo que se puede hacer cuando los planos de valor sugieren cierta profundidad, cuando están usados como pantallas.

Bondage 1

2011-07-21T14:43:00.000-07:00

Acá es donde me empecé a avivar de que hacer collage sobre tela es complicado, si se pega doblado incluso te puede dejar hundida la tela. Por eso le pegué papeles chiquitos, los grandes son mucho más difíciles de pegar prolijos. Es una pintura chica, de 24x30. No sé porqué pinto atadas a las chicas, será para que no se escapen.

Lo malo sería estar confundido todo el tiempo

2011-07-18T19:29:00.000-07:00

Hace tiempo que no dibujo bocetitos en lo blocs. Me aburrí, y además no me gusta mucho lo que quedó. Debería hacer otra cosa. Ponerme a dibujar con fotos, o con capturas de películas que me gusten, algo con datos. Quizás algo más grande. También estoy viendo que para pintar las telas me cuestan. Porque es trabajoso pegarle papeles, y a mi se me hace imprescindible el collage. Necesito un soporte rígido, fibrofácil.
Estaría bien retomar la barra de grafito. Es buena para hacer bocetos para pintar, porque es una técnica gestual.
Antes que nada debería ordenar. Y comprar cola vinílica. Ordenar para tener a mano las cosas que necesito.
No se que es lo que me pasa con el dibujo. Siempre me siento culpable por no estar dibujando lo suficiente. Pero cuando me pongo hacer croquis porque si no le encuentro sentido. Y cuando en un mural necesito dibujar una figura me salen bastante decentes, incluso las manos. Pero si dibujara regularmente podría dibujar mucho más rápido cuando pinto. Es como que no termino de encontrar el dibujo que se acomode a lo que pinto.
Me parece que lo que tengo que hacer es comprar una placas medianas de fibrofácil, de 100x120, o algo así.
Así tendría espacio para dibujar figura humana y podría ponerle collage. Y ese es un formato por el que vale la pena dibujar un buen boceto en valor.
El problema con la pintar en tela es que tiendo a quedarme mirando la pintura como un idiota, comparado con el collage es una técnica mucho menos intuitiva. Cuando hago collage agarro el papel, le pongo cinta de papel atrás, y lo pruebo encima de la composición. Si va va, y si no va no va.
Está bueno que estos momentos de confusión queden registrados en el blog. Lo malo sería estar confundido todo el tiempo.

Cuadritos de 18x24

2011-07-15T06:54:00.000-07:00

Llena de Sol

Me gusta comprar me bastidores chicos de a cuatro. los empiezo juntos, y los voy pintando. Se me hace irresistible el impulso de variar cosas, de pintarlos todos diferentes. Entonces siempre me queda uno más figurativo, uno más abstracto, otro con mucho más color. Quizás debería pintar más rápido, para poder trabajar por serie. Pero no termino de entender porque es mejor. O quizás la clave no sea pintar rápido, sino tener más continuidad, para no cambiar demasiado de idea mientras uno pinta.

Este que está arriba, "llena de Sol", lo terminé bastante después que los otros tres. No me convencía, y le dí una veladura de amarillo. Esos papeles que se ven eran violetas, iban del azul al magenta. La veladura no los volvió grises, les dió unos neutros entre el verde y el naranja muy delicados. Un detalle es que la foto la saqué afuera, al aire libre. En cambio los que publico abajo los fotografié adentro. Creo que afuera salen mejor los colores.

Nena Alien

Mamá Pitufa

La "Mamá Pitufa" quedó como muy robada de Carpita. A mi me parece que es la peor de las cuatro, las cosas salen mejor cuando uno es original. Pero a veces el robo es espontáneo, y no está mal dejarse llevar.

Ciberfauna

La "Ciberfauna" es la del mural efímero, el boceto. Pero mientras pintaba no la pensé del todo como boceto. Es la que quedó más figurativa, en general me pasa que una de las telas queda así.

Exposición onírica

2011-07-11T16:25:00.000-07:00

Hoy encontré un sueño que tuve el 30 de Diciembre del año pasado. Visitaba una exposición de arte:

"30/12/2010

Una exposición, el lugar era enorme,como el Palais de Glace. En un hall en la entrada tenía libros atrásde un vidrio. Eran muchos de informalistas, con texturas, neutroscálidos, como con cera. Y había un libro con letras en la tapa conmucho relieve, como una chapa negra. Y más adelante tenían dibujosen hoja Nº 6 que parecían hechos por nenes con fibra, en un estilomuy Gambartes. No parecían en realidad hechos por nenes. Estaban muyprolijas las texturas de fibra, aunque la linea era suelta y como sinlevantar la fibra. Eran exelentes. Además era una abstracción defigura femenina que no podría hacer un nene. Sin emargo me recordóal mural que había hecho Carina con los alumnos de un jardín, no se si era de eso.

Y más adelante estaba la exposiciónen si. Había un Clorindo Testa, horrible como siempre. Unoscuadrados medio regulares y gestuales en la tela de 2x2. Lo bueno esque lo habían puesto en un rincón en la sombra y casi no se veía.La sala era muy grandey como en “S” . Antes de doblar había uncaballete con una tela. Y ahí alguin grita desde atrás “¿Adondevan maleducados de mierda?”. Estaban por cerrar, el que dijo esofue un viejo alto de barba, con anteojos. A mi me molestó mucho.Aparte la exposición era una mierda. Al fondo de la segunda salahabía una tela enorme como de 5x8m. Parecía un Noé, pero muchomejor que Noé. La composición estaba muy organizada para ser Noé,y el color estaba demasiado limpio. Era gestual y expresionista, comola nueva figuración, había una marea de mnstruos abajo. Uno eracomo un dragón humano rojo, como algunas fiuguras de Perrota, peroen otro estilo. Y la paleta era de neutros, con blancos y negros ,grises, y tierras que eran como de asfalto, y rojo. El blanco estabamás bien por arriba. Pero me quedé ahí. Y del lado que estabahabía un cuadro como de 150x200. Y era como de unos celestes conunas texturas de cálidos saturados medio sucios, rosas, naranjitas,violetitas. Tenía pinceladas largas y prolijas, como ritmos curvos.Pero no parecían hechas con pincel, estaba demasiado prolijo. Habíacomo mucha gente sentada de ese lado, en sillas plegables blancas.Habían visto un video o algo. Y aparece por la entrada un perromecánico muy feo. Pintado de colores y con esa ropa de perro tambiénpintada fea. Y atrás no se si tenía patas o ruedas. Ladraba, y a lagente le gustó mucho, a mi me pareció una pelotudés. Pasan unvideo. Parece que hablaba el chabón que hizo l perro y un par deflacos más. Pero la pantalla estaba al costado de las sillas , noenfrente. Me fui enojado, me hubiese gustado pegarle al viejo."

La imagen la hice a partir de lo que vi en una ejercicio de imaginación activa. Debería empezar a dibujar a partir de los sueños.

Los ejercicios espirituales

2011-07-04T15:39:00.000-07:00

Jung dice que a estos personajes que aparecen cuando uno dibuja hay que hablarles. Hay que imaginárselos y preguntarles cosas. Hace poco conseguí el libro "Los ejercicios espirituales" de San Ignacio de Loyola, y ahí también hay una parte de ejercicio en el que hay que hablar con estas imágenes, el "coloquio". Pero San Ignacio pone el coloquio después de varios ejercicios de visualización, primero un lugar, después los demonios, la Virgen, Cristo. Después hay que ir agregando sentidos a la visualización, el tacto, el olfato, el oído. El coloquio es al final, es lo más complejo.

Dios

2011-06-29T19:28:00.000-07:00

Dios

Novios

Hacía tiempo que no publicaba fotos de pinturas acá. Estas son dos de 40x70. Las hice a partir de unos collages que tenía guardados en una carpeta desde hace varios años. No sabía bien que hacer con esos collages.Empecé pegándolos en la tela, para pintar encima, así que se nota el relieve del papel. Por alguna razón quise que se note, por más que le quite unidad a la superficie. Quise crear una tensión entre los collages y la pintura.

¿Que pueden aprender los artistas callejeros estadounidenses del graffiti egipcio?

2011-06-22T16:58:00.000-07:00

"¿Que pueden aprender los artistas callejeros estadounidenses del graffiti egipcio?"

Ese es el título de la nota que estoy leyendo. Plantea que en EEUU el graffiti se transformó en una moda mientras que en Egipto es una herramienta de lucha política, un arma.

Dice que en EEUU las luchas son entre "nenes de mamá" que se pelean por bouldeces "street artists vs. graffiti artists". Y se plantean cosas como si es lícito exhibir con curadores célebres, que se dedican a vender. Si está bien trabajar con marcas como Louis Vuitton, o con magnates de bienes raices.

La nota entera (en inglés) está acá: http://flavorwire.com/189155/what-american-street-artists-can-learn-from-egyptian-graffiti

Y acá pego el texto original entero por si en algún momento desaparece la página original...

What American Street Artists Can Learn from Egyptian Graffiti

2:00 pm Wednesday Jun 22, 2011 by Allese Baker

Graffiti has long been a way of asserting power, splashing and spraying imagery of cultural resistance over the structures and buildings of the ruling elite. And so it is no surprise that, as the uprisings in Middle East countries like Egypt have gradually become the white noise of the Western news cycle and public protests have become far harder to stage, graffiti has exploded into the streets.

Where in the United States, graffiti art has become something of a fetish among collectors, curators, and celebrities alike, in the Middle East, it is a political tool, a far cry from the subject of a blockbuster retrospective, like Jeffrey Deitch’s Art in the Streets. Additionally, as the popularity of graffiti and its begrudged brother, street art, has grown in the US, its identity has become increasingly fragmented. Battles over street artists vs. graffiti artists (i.e. art school kids who create intricate wheatpastes in their studios vs. those who spray paint with bottles in illicit dark spaces) pervade the genre, as well as questions like: Is exhibiting with celebrity curators like Deitch selling out? Is working with major fashion brands like Louis Vuitton selling out? Is working with real-estate moguls like Tony Goldman — aka king of gentrification in New York’s Soho and Miami’s South Beach, the same Tony Goldman that partially subsidizes the graffiti-happy New York gallery The Hole, which also curates the Houston wall, one of the most legendary graf-spots in New York — selling out? If so, then a substantial number of American graffiti artists, are, well, sold.

Last week, Gareth Harris of Art Newspaper published an article investigating the way the uprisings in the Middle East have affected artistic production, reporting that while more Middle Eastern countries than ever participated in the international fairs like Art Basel and the Venice Biennale (and received a great deal of attention), the real effects can be seen on the streets. Fatenn Mostafa, a Cairo-based art adviser, shared that “Art patrons emerge from the wealthy. Many of Egypt’s business tycoons and mega art collectors are either on trial, in jail or have escaped following accusations of illicit financial gains … as dictatorships fall, so do many of the business people surrounding old regimes. We will see this in Syria very soon … It will take time for the Arab Spring to translate into art collecting. The wealthy are more focused on reviving the economic wheel and the intellectuals/artists do not want to miss the chance to fight for ‘serious’ democracy.”

As a result, artists have taken to the streets, inscribing the demands of their particular revolution across the walls and buildings of their respective cities. In nations of political unrest, art has a job to do, a message to spread, and Mostafa says that artists are subsequently motivated by a unifying political objective: you either have artists who act as “spokespeople of their impoverished, struggling jailed population” or artists who begin to paint their revolution across public spaces: “some of these graffiti walls are so strong visually that they are now used as logos among the masses.”

It is thus interesting to consider the crisis over graffiti and street art in America next to the emerging landscape of graffiti and street art in the Middle East — which last month found itself in the Western media spotlight after a handful of Egyptian graffiti artists were detained prior to the May 27 protests. While as illegal markings on walls, graffiti is by nature political, the Egyptian works are explicitly so, as there is no debate over subject: The subject is, must be, political resistance. Egyptian artists are then creating graffiti and street art within a sort of contextual constraint, which forces one to be more precise and creative (the way a poet working within the structure of sonnet or haiku must be).

The following selection of Egyptian street and graffiti art evidence what working within a unifying subject matter and with a common goal can do. Each work is bound in a blustery rage that reminds one how invigorating it can be to use aesthetics to fight for a certain freedom — be it from an oppressive government, against a war, for basic human rights. Perhaps these are lessons American artists need to remember as they consider lending their time and creativity to designing bikinis for Lindsay Lohan or helping beautify Goldman’s walls in the hippest possible way, instead of creating work that imaginatively tackle subjects that desperately need public address: healthcare, marriage equality, reproductive rights, the rapidly disappearing funds for the arts. The latter was made most palpable yesterday, when the Brooklyn Museum pulled Deitch’s exhibition, which was to travel from Los Angeles to New York, as the museum lacked the funding to exhibit the artworks of the most legendary American street artists. How ironic.

Click through below for a gallery of powerful graffiti from Egypt:

Miguel Hachen VS Paredones Muralismo 2

2011-06-21T13:23:00.000-07:00

Yo sinceramente creía que no valía la pena seguir diciendo cosas sobre esto. Pero encontré algo para ilustrar muy bien lo que pienso. Acá también hay artistas que se quejan del plagio cibernético de sus murales:

"Tremenda desfachatez

La red es inmesa, y a la vez muy pequeña,

así navegando acabas encontrando muuuuchas cosas, últimamente
muuuuchas copias, que avisas por
teléfono

y la gente quita de inmediato, pero mira tu por
donde

te sale alguno con tremenda desfachatez.

Hoy he dado aviso a una página que vende MIS
diseños,

que tengo perfectamente registrados por cierto,

en forma de cuadro y se quedan tan anchos, pero
es que tienen distribuidores para Madrid, Andalucia,

Islas Canarias y Allicante, casi nada.

Así que he llamado al tal German que pone en el
contacto

y me ha dicho, que no conoce la pintorería de nada,
y que sus cuadros están cambiados, es la primera vez
que

realmente me enfada la actitud de alguien a quien llamo

por este tema, es que tiene una cara el tipo de

impresión. Os pongo las fotos en las que aparecen

lo que me han

copiado a mi, pero también hay copias de Playá,
Carmen

y bbideal. Tengo todo guardado por si las interesadas quieren el
material para poner la correspondiente

denuncia como yo ya he hecho. En fin yo pongo las
fotos

y ya me direis si conoce la pintoreria o no la
conoce..."

Y lo que les robaron fue esto (había más):

Y digo esto más allá de que estoy seguro de que Lucas no le robó nada a Hachen.

Sé que en él el uso de las guardas vino luego de un período de investigación,

que venía por el lado de Camarena:

Una investigación relacionada con formas interiores que continúan

las direcciones generales, algunas cuestiones de ritmo

y de composición que no tienen tanto que ver con las guardas en si.

No iba a decir nada yo. Pero me alegró encontrar esto,

que es muy bueno para ilustrar cuál es la clase de artistas que se anda quejando

de que los plagian.

fuente: http://paredesdivertidas.blogspot.com/2011/06/tremenda-desfachatez.html

Georges Collignon

2011-06-17T13:29:00.000-07:00

Georges Collignon

El otro día buscando imágenes de Georges Mathieu encontré imágenes de otros pintores del grupo CoBRA.

Yo creía que habían sido todos informalistas. Pero no, encontré varios que eran expresionistas más ortodoxos. También encontré a Georges Collignon, que me gustó mucho. Da la impresión de hacer los bocetos con collage, como si fuera recortando bandas de papel y después las pegara ¿No? Igual es algo que me imagino, es increíble lo difícil que es encontrar información sobre el proceso creativo de los pintores.

Hay un sitio muy lindo de Georges Collignon: http://www.georgescollignon.be/

También tiene cosas más gráficas, como esto:

Y tiene mucha obra así, con estas texturitas, pero no se... no me resulta tan contundente como lo otro:

¿Que significa la obra? 2

2011-06-13T15:23:00.000-07:00

Ponele que yo agarro una birome negra y dibujo en un bloc esto que se ve arriba ¿Que significa? eh...

Bueno, es un hombre. Entonces escribo "hombre" en un papelito, y el dibujo y el papelito ahora son equivalentes, significan lo mismo ¿No?

Si el dibujo fuese un signo debería ser así. Y si no es un signo entonces no significa. No alcanzo a comprender que es lo que pretende la gente que pregunta "¿Que significa?" Están parados ahí y miran el mural que estoy pintando ¿No ven que hay una imagen en la pared? ¿Tan poco valor consideran que tiene esa imagen que estarían dispuestos a cambiarla por un par de palabras?

Yo siempre pensé así. Y hace un tiempo me alegró ver que Roland Barthes también dice que la imagen no significa, y además entendí un poco mejor porqué no significa:

“Una tercera y ultima observación: algunos de los redactores de la compilación han visto muy bien que había “sentido” en la imagen, que era “signo” o “lenguage”; estas palabras tiene hoy un prestigio feliz; permiten sugerir que pretenden reaccionar contra una interpretación puramente estética o mecánica de los objetos culturales. Lamentablemente, estas expresiones son en general metafóricas; son maneras de hablar, opciones que elegimos y que luego nunca fundamos. Ahora bien, toda “significación” (con mayor motivo todo lenguage) implica una estructura muy precisa; no podemos contentarnos con decir que una cosa “significa” sin entrar en una técnica del sentido, es decir, en una semántica que es tal vez, como hemos dicho en otra parte, mucho más típica que los mismos significados (además, hablamos de buen grado de significación, pero nunca de significantes y de significados, lo cual es una proeza). En resumen, recurrir al signo sin extender el recurso a la estructura que lo constituye es ir demasiado lejos o no lo suficiente.”

(Barthes Roland “La torre Eiffel: textos sobre la imagen” 1ª ed- Bs As: Paidós, 2002- p. 49)

El Ouroboros Tumbero del Gauchito

2011-06-10T08:39:00.000-07:00

Hoy a la mañana fui al Palais de Glace a retirar mi cuadro del Gauchito, lo había presentado en pintura, pero no quedó...

Antes seleccionaban muchas más obras, y escuché ahí que antes también se presentaba mucha menos gente.

De todos modos si no quedó es porque no se lo pedí al Gauchito, debería haber hecho el ritual. Acá en Avellaneda hay un altar grande, en un "cruce de caminos" como corresponde, en Dominico.Pero no fui...

Es un cuadro grande, de 200x150, está pintado en acrílico y collage. En la foto que está acá abajo se ve la faca que le puse al Ouroboros . La encontré abajo del puente del viaducto, mientras pintaba mi mural de Mujeres Argentinas. Cuando lo vi pensé "Que raro que se dobló el tenedor-lo habrá pisado un camión,pero es muy simetrico-¡Ah, no, es una faca!-Se lo tengo que poner al Gauchito". Y es que era justo el día anterior al que lo presenté al Salón, ya había pedido el flete y todo.

Ciberfauna

2011-06-08T15:32:00.000-07:00

Terminé la chica, es una especie de ciberfauna. Me viene obsesionando desde hace meses esto. fue saliendo en bocetos como este:

Pero en realidad viene de mi primer mural, del año pasado:

En ese momento esas estructuras eran como ruinas de monumentos sumergidos en el río y la chica estaba aparte. Es curioso que en esta primera imagen la chica tiene una cámara en su mano. Y la ciberfauna ve por una especie de cámara incorporada al casco...

En esta foto desde la terraza del paseo se ve que es alta la figura, está pintada en una escala bastante grande. El Viernes le voy a sacar una foto con gente adelante, toca una banda de jazz, así que va a haber gente...

Y acá está desde abajo, tiene como una textura la pared, está bueno cuando la textura queda en la piel.

Decálogo del asco

2011-06-06T07:28:00.000-07:00

Esta semana encontré esto en un blog, me dió bastante asco:

"Decálogo de autoayuda para espectadores intimidados por las exposiciones de arte [versión 2011].

1. No preste demasiada atención a lo que dice el artista sobre su propia obra; los artistas no saben bien por qué hacen lo que hacen, ocultan el rastro incierto que los llevó a un hecho estético bajo el trazo legible de una finalidad política o social, la grieta que abren con el arte la taponan con la lápida de un título pomposo. Las declaraciones de muchos artistas son producto de la culpa que sienten por el ocio creativo que detentan.

2. Anteponga el arte al artista; usted puede estar a solas con la obra de arte, sea insaciable y egoísta —más no celoso o autista—.

3. ¡Deténgase! No permita que el prestigio de un galardón o un caso de censura sea lo único que invita a mirar con atención una obra de arte; las alabanzas o las canalladas son como las tetas: una esta mal, dos son perfectas, pero tres, aunque le añadan volumen al argumento, son monstruosas.

4. Si usted descubre la fórmula que compone una obra de arte tenga cuidado con atribuirle una preparación demasiado precisa, la facilidad de los resultados es engañosa.

5. Las obras de arte sólo exageran algo que usted ya sabe; en algunos casos el desprecio radical que usted siente por una obra no es más que una forma velada de autocrítica.

6. Póngale comillas al “crítico”; desconfíe de todo discurso que en miras a ganar contundencia no matiza: el enfrentamiento con una obra de arte exige un escudo de armas cargado de interrogantes; cambie el “es” del crítico por el “tal vez” del lenguaje. Solo el arte es más verdadero que la política o la religión pues abraza la incertidumbre y miente con la verdad: déjese amacizar, déjese engañar.

7. La cultura ha parido los únicos tres enemigos que tiene una obra de arte: el artista, el crítico y el espectador, —intente por un breve momento no ser como ellos—. Cuando la cultura va, el arte ya ha ido y vuelto, si la cultura es el registro civil de la estética, las obras de arte son hijos ilegítimos que no hay que registrar en notaría.

8. Ante las explicaciones, dude; no trate de conocer las obras de arte, trate de comprenderlas; devuelva a sus ojos la ignorancia, vaya paso a paso en su lectura, evítese los resúmenes. Describa e interprete; no interprete primero y luego describa.

9. Llegue a las obras de arte cuando están distraídas, ¡sorpréndalas!

10. Sea profundamente superficial, mire al frente, mire abajo y mire arriba; son los espectadores superficiales los únicos que no juzgan por las apariencias. Si sólo quiere ideas acuda a una iglesia de cienciología; si sólo quiere formas vaya a un almacén de pantuflas; pero si es incapaz de separar la forma de las ideas, ensaye una dulcería o disfrute de la exposición de arte. Las exposiciones de arte son una pasión quieta, una nadería comparada con la orgia titilante e interactiva de las experiencias mediáticas actuales. Aprenda algo de la quietud del arte, esa indiferencia esconde un regalo: usted dejará de existir por un instante.

(Publicado en Revista Arcadia # 46)"

¿Por qué me da asco?

No se si está tan mal lo que dice. Quizás para alguien que realmente está intimidado por las exposiciones de arte estaría bien seguir estas instrucciones. Lo que me parece repugnante es que es una serie de actitudes. Como si para usar las obras de arte bastara con adoptar una serie de actitudes, y ya está...

Las obras deberían ser un soporte para trabajar sobre uno mismo. Si alguien se siente intimidado por las exposiciones de arte quizás no esté mal ¿Porqué estaría mal?

El espectador intimidado debería empezar un diario. Escribir sus impresiones cada vez que visita una exposición de arte, escribir mientras está ahí. Después, cuando tiene bastante escrito debería leerlo, resaltar lo que le parezca importante. Escribir porqué eso le parece importante.

Si eso que escribe lo publicara en un blog sería muchísimo mejor, sería un muy buen blog. Y hasta le llegaría a interesar a los artistas sobre los que escribe.

Sin embargo nadie hace eso, nadie está lo suficientemente intimidado como para hacerlo...

A mi lo que me intimida son las chicas con exoesqueleto.

fuente: http://lucasospina.blogspot.com/2011/06/pare-de-sufrir.html

Miguel Hachen VS Paredones Muralismo

2011-05-31T06:43:00.000-07:00

Fíjense esta pelea:

Este pintor (Miguel Hachen) se queja de que le robaron el estilo:

Según Miguel Hachen Lucas Quinto le "robó" el estilo :

(Yo opiné acá: http://catrieldibuja.blogspot.com/2011/06/miguel-hachen-vs-paredones-muralismo-2.html )

Lo sorprendente es todo lo que escribe Miguel Hachen en su blog:

La globalización del plagio y los piratas del arte

Los corsarios virtuales

Gracias a internet y sus redes sociales la comunicación actual es instantánea y el acceso a la información es inmediato. Con un simple “clic” es posible introducirnos en la vida y la obra de otros artistas, contemporáneos o no. Hay que estar muy atentos porque, si por un lado la web nos permite divulgar nuestras obras, por otro lado facilita el pirateo de trabajos, ideas, conceptos, textos, denominaciones, estilos, frases, etc.

Considerando que este medio da una falsa sensación de anonimato, los corsarios del arte actúan impunemente y, como si fuera poco, son tan sinvergüenzas que luego publican en sus redes sociales el producto o subproducto de sus saqueos. Si navegamos la web y ponemos un poco atención podremos ver millares de ejemplos. Gente que posta en su Blog y publica en su Facebook copias o directamente trabajos ajenos, incluso de pintores, escritores y músicos consagrados, sin que jamás citen la fuente.

Cantando con la voz ajena

Así vemos que un Josecito González publica y se atribuye un hermoso poema… de Silvio Rodríguez! Pedrito copia a Romero Brito y publica sus plagios; fulanita “recrea” la figura central de mi obra Mural “Ka’agüi sy ha nhande tekoha” y la publica en su blog.

Otros, más creativos pero no menos piratas, se apropian de los lenguajes plásticos.

Al carecer de voz propia se adueñan de voces ajenas para lograr expresarse, pero quien tiene el oído y la mirada afinados sabrá notar quien es un mero imitador. Hay quienes imitan a Joaquín Sabina, pero lo hacen conscientes, sin la intención de engañar al público diciéndoles que es autor, compositor y dueño de esa voz. En artes plásticas están los falsificadores profesionales de obras maestras de autores consagrados y los imitadores que se suben a cualquier tema y autor que se destaque del resto. Cuando Botero está de moda, lo imitan, si Carpani hubiese sido boliviano o venezolano (lo ideal para el que plagia ideas es que el plagiado viva lejos), lo hubieran copiado e imitado, sin citarlo. Es vergonzoso. Otros aseguran que hacen “arte indígena” y su trabajo consiste en copiar de la web el arte originario y plasmarlo literalmente, sin tener la capacidad de, al menos, recrearlo.

Las metáforas sobre el Quinto y otros tantos Paredones

En mi caso, no siendo un artista consagrado; aunque no me sorprende, me indigna que a falta de ideas e identidad cultural propias se apele a la piratería, a la imitación del lenguaje plástico y forma de expresión que vengo desarrollando hace 15 años. Me avergüenza que haya colegas que muy audaz y ligeramente se atribuyan el “estilo” Neoguaraní para designar a sus performances y otros, no menos audaces, que al cuarto o Quinto día (de un día para el otro) mágicamente conciben un lenguaje, tomando para sí la idea de introducir elementos gráficos en las figuras humanas, forma propia que introduje en 1.996 para resemantizar la pintura corporal de los guaranís. Si bien es cierto que las grafías son de dominio público, pero no así su forma de aplicar.

Me fastidia y me asombra que a cambio de aplausos y elogios se usurpe las ideas ajenas y peor aún porque los piratas sean artistas que por un lado pregonan la sociabilización del arte, pero por otro lado, ante la incapacidad de crear y tener ideas propias, roban, globalizando el plagio.

Los conquistadores virtuales: el muerto se asusta del degollado

Es irónico que aquellos artistas que en sus obras y discursos critican y condenan a los colonizadores, a las multinacionales y a los explotadores de turno por usurpar los bienes materiales y culturales ajenos, actúen de la misma manera que aquellos que critican (sic”). Es decir que ganan notoriedad, poder y prestigio gracias al trabajo y al esfuerzo ajeno. Viéndolos actuar así me siento el propio Túpac frente a los bestiales y hoy virtuales conquistadores que, lápiz, pincel e internet en mano (léase espada, porque hieren y matan) me despojan de mis ideas. Cuando se procede de la forma que se critica se es hipócrita; más popularmente se diría que esa actitud es como escupir para arriba: el propio escupitajo caerá en la cara de quien escupe.

Muchos colegas buscan con obstinación el bullicio de la notoriedad y la ética, que es más salubre, se apoca delante del ansia por la fama. De ahí mi indignación ante el gesto de usurpar y plagiar sin el menor respeto por el trabajo y la trayectoria ajena. En mi caso, como no me falta creatividad ni ética, no me apropié del trabajo ni de la denominación dada por otros a su lenguaje, no me subí a lo que se puso de moda en internet ni me monté en la originalidad o el esfuerzo ajeno para apropiarme de él ni para granjearme reconocimiento u elogios.

Ética y estética

El lenguaje Neoguaraní revela y encarna muchos años de trabajo e investigación seria, se trata de concepto que entraña una forma de pensar y de hacer, como también es una manera conducirse y actuar éticamente, con un poco de dignidad y respeto por la cultura que venero. Ellos, los guaraníes hacían y hacen su arte y aunque yo le otorgue nuevos significados a sus códigos visuales creando frescas alegorías, lo hago citándolos, dándoles a ellos los créditos y el prestigio porque soy consciente de que mi trabajo emana de sus manantiales (ver Manifiesto Neoguaraní). Se trata de una forma de expresión propia que exprime y resemantiza mis raíces culturales y me identifica como ser cultural; un lenguaje que emana de una forma de ver y sentir mi entorno y que, cual si fuese sangre, circula por mis venas.

De mis vivencias nacieron la concepción estética y los recursos compositivos, el modo personal de generar espacios y profundidad; la manera de aplicar las formas y los colores. El particular estilo para crear y recrear imágenes en el que las figuras y el fondo juegan entre sí, creando nuevas figuras. Nada de ello me fue dado gratuitamente, trabajé muchos años y aún lo sigo haciendo. Lo hago con mucho respeto por el arte y, por sobre todo, inspirado en este milenario pueblo guaraní al que interpreto con cierta timidez pero con mucha veneración. No fue necesario robar ideas ni conceptos ajenos.

Tal vez mi única virtud haya sido indagar y buscar muy dentro de mí, en mis propias raíces y vivencias cuando era gurí en la selva misionera. Allí, en ese infinito espacio, donde habité hasta los diez años y donde intercambiaba juegos, pesca, caza y tropelías con mis vecinos los Mbyá Guaraní.

La aceptación popular o el rechazo son menos vitales que mi propia investigación, que mis tímidos hallazgos. Para mí el ruido de la notoriedad se apoca ante la salubridad de una misión en la vida, de una búsqueda constante. Si soy limitado en mi saber, suelo ser auténtico y respetuoso en el hacer y en el decir y más respetuoso aún de las ideas ajenas.

De los 30 años que llevo gastando lápices y pinceles emanaron la concepción estética y los recursos compositivos, el modo primitivo de generar espacios y profundidad; la manera de aplicar las formas y los colores. El particular estilo de crear imágenes en el que las figuras y el fondo juegan entre sí creando nuevas figuras, no me fueron dados gratuitamente. Trabajé muchos años para ello y lo sigo haciendo. Lo hago con mucho respeto por el arte y, por sobre todo, inspirado en este milenario pueblo al que interpreto con cierta timidez pero con mucha veneración.

Al César lo que es del César…

La propiedad intelectual es un bien, la creación también es una riqueza que debemos aprender a respetar. No todos los contenidos de internet son patrimonios universales que se puedan usar libre e irresponsablemente. Siendo así, cuando extraigamos alguna información, imagen o vocablo que nos interese, cuando realicemos relecturas de obras ajenas lo mínimo que debemos hacer es comunicarnos con el autor y consultarlo, en caso de obtener autorización de uso, darle el crédito a quien corresponda. Al igual que los conquistadores, el que plagia lleva las de ganar pero cosecha odio. Tal vez la única ventaja del plagiado sea la de tener conciencia de que su trabajo tiene tantas cualidades que merece ser imitado. Habría que intentar ponerse en la piel de los otros, preguntarse cómo se sentirían cuando se apropian de sus ideas.

Tal vez esta reflexión sea útil y comencemos por abolir la piratería por lo menos en los ámbitos culturales, donde jóvenes artistas podrían dar el ejemplo. Está muy bien retratar la historia en muros y paredones para condenar a los imperialistas de turno, pero, reitero, habría que tener el cuidado de no remedarlos.

Creo que todos los artistas, a través del esfuerzo y del trabajo pueden ser capaces de desarrollar un lenguaje de expresión artística propio, un modo particular de exprimir lo que se es y se siente y que, con el tiempo, todos puedan aprender a hablar con el sonido de su propia voz. Es decir, expresar aquello que es como individuo.

La diversidad es sana; lo ideal es que Pedrito sea Pedrito, Carlitos sea Carlitos y que no intenten ser quienes no son. De todos modos historia se va a encargar de contar la verdad y desenmascarar a los corsarios que hoy navegan y piratean en los mares de la web. Al lado de los piratas modernos Morgan sería un mero aprendiz: él no tenía computador a bordo!

Miguel Hachen

Y esto le responden en facebook (yo había comentado cuando lo publicó en su blog pero censuró mi comentario):

Paredones Muralismo
te cuento que otra vez nos agredis sin conocernos, la primera te la contestamos sin agredirte por que respetamos tu trabajo, nosotros no negamos ni quienes somos ni de donde venimos, las guardas que usamos responden a nuestra busqueda estetica, son mapuches, por por otro lado Carpani fue maestro nuestro,tu busqueda nos parece maravillosa , admiramos tu obra , no somos artistas si no obreros del arte, peleamos por un arte para todos y respetamos todas las busquedas esteticas, asi como admiramos profundamente a las brigadas Ramona Parra y no le robamos su forma de resolver la imaen a vos tambien te respetamos pero jamas te robamos nada, estaria muy bueno que en un futuro podamos trabajar juntos en alguna pared donde vos seas vos y nosotros seamos nosotros, ya que aunque no lo creas esta es la forma en que nosotros trabajamos si miras bien nuestros trabajos ccada uno de nuestros integrantes tiene su propia estetica, nadie impone nada cada uno aporta desde su propia identidad, nos ofende profundamente y nos duele que nos acuses de algo, que no somos, Saludos y esperamos todos los integrantes de Paredon y Despues que en un futuro podamos trabajar juntos venciendo las diferencias... Saludos Lucas Quinto de Paredon Y despues

14 de mayo a las 11:46 · 5 personas
Cristina Carballo a los matanceros nos gustarìa ver un mural de Miguel en una pared de una de nuestras escuelas, o en algùn centro comunitario, o en una villa, apoyando a la familia de Luciano Arruga, o justicia por el asesinato de Carlos Fuentealba, .
14 de mayo a las 19:44 · 2 personas
Cristina Carballo De verdad nos gustaría ver mucho más del arte como instrumento de lucha ! POR AHORA Y AFORTUNADAMENTE vemos a Lucas y a Paredones !
14 de mayo a las 19:46 · 4 personas
Paredones Muralismo Gracias a todos quienes se juegan por nosotros y nos apoyan frente a quienes cobardemente nos difaman...
15 de mayo a las 21:46 · 2 personas
El Tabano Marechal en la matanza conocemos los caminos llenos de piedras de paredon y su etica de laburo, no son simples artistas, son compañeros en la militancia del trabajo cotidiano. saludos "al Quinto y a otros tantos paredones"
17 de mayo a las 13:48 · 1 persona
Kondor Vuela
en el arte ya nadie es capaz de inventar nada nuevo, la tecnologia de hoy hace mas evidente esa certeza, cuando nos damos cuenta de esto, algunos preferimos pensar que otros estan por una busqueda similar, y otros que les roban sus ideas,la ultima es un pensamiento bastante basico y mas aun hoy, de un ombliguismo importante. el grupo paredon y despues somos: , Valeria Orfino, Miriam Ibrahim, Patricia Ochiuzzi y Lucas Quinto Y quien escribe, Sergio Condori

17 de mayo a las 14:03
Valeria Orfino
Hola Miguel, me sorprende y me apena en cierto sentido, que este tipo de discusiones (totalmente validas), se vean motivadas por la bronca, la mala interpretacion y sobre todo por la desinformacion, una paradoja interesante tratandonos de este medio. Nosotros tenemos una busqueda estetica y tambien basamos nuestro trabajo y nuestras acciones en una etica que nos permite construir colectivamente. Este costituye un constante desafio, ya que estamos en un mundo que nos fracciona y nos impone la mirada individual como un valor deseable al que todos deberiamos aspirar... Paredon y Despues intenta y trabaja con la conviccion de querer generar una alternativa a esta mirada. nosotros como grupo, estamos en la busqueda de una identidad comun que nos trascienda,es dinamico. Aportamos esta herramienta del mural para hermanarnos con las causas justas de nuestro entorno y para sumar a aquellos que prefieren caminar juntos en ese sentido. Esperamos tener alguna oportunidad para conocernos "realmente" y hacer de estos debates una verdadera reflexion constructiva. saludos, Valeria Orfino de Paredon y Despues.

17 de mayo a las 15:54 · 4 personas
Alejandra Cabrera
queria decir algo al respecto de lo escrito por este tal Miguel Hachen, aclaro que no sy artista ni sé de arte(estoy aprendiendo) pero conozco (y sigo conociendo) a la gente de PAREDON a ese tal QUINTO,esta de mas decir que es una excelentepersona y digo que el comentario de MIguel se llama ENVIDIA, totalmente ! cualquier persona con sentido comun sé dá cuenta que es asi.no entiendo que clase de artista se denomina si copia de otros(x mas que diga y cite lo hace) y la CREATIVIDAD DEL ARTISTA???? donde esta????? con esto no quiero agredir a nadie, solo pregunto y lo que me parece.... empecemos a respetar para ser respetados!!! saludos a todos los de PAREDON!!!!! sigan asi !!!!!! besos!!!!! (solo una opinion)

17 de mayo a las 21:13 · 1 persona
Cristina Carballo che, paren un poco ,si hay que reconocerle algo a Miguel es que es màs elegante que ustedes, ! NI UNA MANCHITA CUANDO PINTA !
17 de mayo a las 21:54 · 1 persona
Paredones Muralismo es cierto Cristina se lo ve mas limpio que a nosotros...
18 de mayo a las 17:21
Jennifer Díaz ke pena por Miguel Hachen es un weon agrandao .. si bien su trabajo es bueno la soberbia de sus palabras solo lo hacen parecer un tipo ignorante ....
sigan haciendo el excelente trabajo ke realizan paredones ...desde Chile un gran saludo !!!!!!
18 de mayo a las 18:30 · 2 personas
Jose Cieri no estoy de acuerdo, los artistas ,como los filosofos, no tienen el conocimiento ,estan en la eterna buqueda , si hay gente que jode, pero ellos, se decantan solos ,nadie tiene la verdad, y la tecnologia y la reproduccion ,hizo llegar a la gente comun ,que no estas encerrada en los claustos acacdemicos ,imagenes y esta ,pudo apreciar y extasiarse con la bellezaaaaaa....
18 de mayo a las 19:43 · 1 persona
Carlos Mainini Che Hachen el dia que dejes la "elite" artistica metas las patas en el barro y te veamos pintar con los pibes una pared destartalada sacando arte de lugares que parecen imposibles en alguna escuelita de las mas pobres del conurbano como hace Paredon vas a tener derecho a criticar
22 de mayo a las 10:46 · 1 persona
Jose Cieri que grande algunos , trendrian que investigar de quien hablan , mamani compañero de la marechall , invitado a bolivia , venezuela, y otros paises con recorrido importante y aun pintando en escuelas , donde sus obras son pedazos de raices de nuestra cultura....
22 de mayo a las 10:56 · 2 personas
Patricia Occhiuzzi La verdad, que duele ver con que liviandad se difama a las personas por estos medios, sin permitirse la posibilidad de conocerlos
23 de mayo a las 1:11
Myriam Ibrahim En nombre de Paredon, gracias a todos por vuestra participacion a, lo q un tal Hachen, llamó en un momento "reflexión y discusión"...."Ladran Quinto,señal q vamos caminando!!"
24 de mayo a las 0:49 · 1 persona
Natalia Negra
Lu cuantos años tenias cuando pintaste el mural de la Càrcova? Carpani estaba ahí, en el mismo momento en que pintabas, se sintió plagiado o dijo que eras bueno, qué fuiste un buen alumno? yo vengo viendo la magia de tu proceso desde que te conozco, o sea 32 años, veía las caras pasmadas de la gente cuando a los 12 años hacías los guerreros, ponías imagen a los personajes de los libros, así potentes como un sopapo a la mañana y construías las lanzas para los juegos, vi los laburos de Miguel, me gustaron, no encuentro el parecido, para nada. Miguel dice que hace 15 años tiene esta estética y se parece a la tuya pues entonces te robo, Y seria bueno que Miguel con lo culto que se muestra y lo entendido en ciertos temas pudiera diferenciar una guarda MAPUCHE de una GUARANI. Pero yo ya descubrí que están los Laburantes y los artistas, vos Lucas sos un laburante por eso podes pintar lo metalúrgico del día , lo jornalero sin tener que hacer un estudio antropológico, No sos el Cesar claro esta, sos un simple laburante, un obrero, un eslabón màs en la tarea de la lucha. Y Paredones es un colectivo de eso, LABURANTES, que juntos impresionan. Saludos.

Hace 8 horas · 3 personas
Lucas Quinto ese mural que vos mensionas lo pinte a los 18 años , la mitad de mi vida, y si estaba ahi Carpani por que el curso lo dio el, y como vos desis somos un colectivo de laburantes no de artistas, los egos individualistas no nos motivan , solo el trabajo, los compañeros y los ideales que siguen firmes
Hace 51 minutos

¿Que significa la obra?

2011-05-30T09:57:00.000-07:00

Por separado no me gustaban esos bocetitos del bloc. Pero lo que armé combinándolos me va a servir para algo...

Tiene un aire a Quetzalcóatl:

Bueno, así funciona el proceso creativo...
A veces la gente que me ve pintando en la calle me pregunta "que significa" lo que estoy pintando. Es una pregunta que me complica mucho. No tanto por no saber que significa. Sino porque son cosas muy íntimas.
Yo creo que esas cosas son para hablarlas con tu psicoanalista, no con cualquier desconocido que te encuentre en la calle. En general los artistas públicos no tienen problemas para hablar del significado de su obra, pero creo que es porque no se analizan. Para mi interpretar una obra es como interpretar un sueño.
Hoy releyendo el primer tomo de "Los tipos psicológicos" de Jung encontré esto que había subrayado:

"Este es el fin y el origen del símbolo, que al absorber del objeto determinada dosis de libido le desvaloriza relativamente, otorgando así una plusvalía al sujeto. Ahora bien, esta plusvalía atañe al inconsciente del sujeto, pues este queda situado entre una determinante exterior y otra interior, originándose la posibilidad de elección y la libertad relativa del sujeto mismo."
(p. 317 Editorial Sudamericana)

Antes de ponerme a hablar de lo que significa mi obra tendría que aclarar que no se trata de un signo, que es un símbolo. Y explicar para que sirve. Eso es lo importante, y lo que me gustaría comunicar.

¿Pero de que manera? Y más urgente... ¿Se entiende lo que digo?

Discusión en facebook sobre arteBA

2011-05-29T09:24:00.000-07:00

Cuando escribo en este blog generalmente es sobre lo que voy pintando. Sin dar demasiadas vueltas y disfrutándolo. Pero cuando me encuentro con artistas plásticos opinando a veces pierdo la paciencia.. La gente que se junta a quejarse me exaspera...

En facebook un artista plástico compartió esta nota de página12 :

"EL ARTE, HOY

Por Marcos Zimmermann

En uno de los más bellos textos que se hayan escrito sobre la conquista del Río de la Plata y, sin duda, el primer retrato de cómo el imaginario europeo se superpuso desde el principio a la realidad de nuestro territorio, Ulrico Schmidl cuenta que a mediados del siglo XVI llegó a un pueblo situado en alguna parte imprecisa de lo que hoy es el Litoral argentino, en el cual yacarés gigantes escupían fuego por la boca y serpientes colosales se alimentaban de aborígenes. Asegura este marino alemán, integrante de la expedición de Pedro de Mendoza, que en esa oportunidad mató, junto a Ayolas y a otros conquistadores, a millares de aquellas bestias malévolas con su sola carabina.

Es obvio que Ulrico nunca vivió semejante Guerra Animal. Nuestros extraordinarios yacarés jamás tuvieron tales virtudes dragonianas, ni las serpientes superaron aquí a la ya inmensa boa curiyú que no llega a los dos metros y que habita todavía hoy los bañados del Gran Chaco. Pero, ¿qué importa su imprecisión, su exceso o, si se quiere, su descarada mentira? Al fin y al cabo, ¿no explica la desproporción de su relato la exacta dimensión de su espanto frente al territorio inmenso al que se enfrentaba y que le resultaba inasible a su mirada, hostil a su conocimiento y estéril a su deseo oculto de riqueza? ¿Acaso no era entonces nuestra tierra sólo un dibujo impreciso en las cartas náuticas de unos pocos marinos arrojados, donde se escondía el supuesto imperio de un Rey Blanco y una Ciudad de los Césares cuya construcción imaginaria provino de la extrapolación errónea, a un territorio del apellido del primer expedicionario que lo había descubierto, llamado Francisco César?

Traigo a colación este relato histórico, que a primera vista parece tener poco que ver con el arte, porque creo que hay algo de esta necesaria desmesura de Schmidl en el trabajo y en el modo de hacer de todo artista. Es que el arte suele anidar sigiloso en el corazón, del mismo modo en que un soldado se acurrucaba en la trinchera frente al horror de la batalla. Desde allí es de donde se expresa. A veces, con el silencio propio del alma, a veces con un grito explosivo, heroico o incluso blasfemo. Pero sea cual fuere el motivo de su génesis, lo cierto es que la naturaleza sensible de una obra de arte escapa a cualquier medición exacta y a toda explicación acabada. Su exégesis se resuelve en el corazón ardiente de quien necesita expresar lo inexplicable, y su idioma sobrepasa todo discurso preciso. En ese espacio interior del arte, tan desmedido como la tierra que enfrentaba Schmidl y tan arduo de contar como le resultaba al marino, está el origen de su lenguaje y la semilla de todo el resto. Ideas, maneras, formas o estilos concretos se cocinan en ese fuego primero. Y aunque el artista sea fiel a su tiempo, lo que deja es siempre anterior o posterior a su conciencia. La verdad de su obra resuella en ese aliento impreciso. La belleza y la fealdad palpitan en esa matriz sensitiva. Y así anda, la mayoría de las veces, el pobre artista, poniendo en su obra su excesiva alegría o su infinita tristeza, con un lenguaje muchas veces incomprensible para el resto, como un hijastro montaraz del mundo.

En la otra punta está el mercado, el orden, las jerarquías y el dinero siempre necesario. Cosas todas que son, en realidad, ajenas al arte, y demasiado estrictas para evaluar sus méritos espirituales. Allí no importa lo sensible. De lo que se trata es de oportunidades, de inversiones, de precio y de fanfarria. Así, los mecenas contemporáneos imponen sus estilos de vida e infligen al arte los exactos modelos ideológicos de las sociedades siempre mullidas a las que pertenecen. Hasta el mismo arte trabaja muchas veces arduamente para mimetizarse con esos modelos, para que esa osmosis de “pertenencia a un mismo club” se reproduzca casi sola, aunque incluya cada tanto alguna transgresión pequeña, claro, siempre bienvenida.

Flota en el aire una idea que no tiene aún su correlato con la realidad: sería bueno que los artistas pudiéramos generar en esto algún cambio, como lo han hecho otros actores, en otros ámbitos del país. Para hacer que las ferias de arte dejaran de ser espacios que ocupan sólo quienes controlan el marketing y no comprenden guerras como las de Schmidl, y se conviertan en foros de discusión e intercambio de una infinidad de cosas que desvelan de verdad a los artistas. Porque la vida en el arte no es nunca un sitio complaciente. Y si en este siglo XXI hemos visto cómo caen las caretas de muchas “verdades incontestables” del mundo junto con sus protagonistas, en la Argentina, donde por suerte ya sabemos bastante sobre el tema, debería surgir pronto un nuevo tiempo en el que sean los artistas, y no solamente los gestores del mercado, quienes juzguen y pongan valor a las obras de arte."

La discusión:

- A 4 personas les gusta esto.
- - Alba Tirado Impecable,magnifico....
    El jueves a las 16:49 · · 1 persona
  - Fer Franchetti ‎"Magnifico" fue la misma palabra que se me ocurrió, y no es tan común, vaya coincidencia.
    El jueves a las 19:29 · · 1 persona
  - Marcelo Rizzo Es que la analogía del explorador de nuevos mundos es asombrosa! La licencia poética será siempre una forma de dar cuenta de lo incognosible!
    El jueves a las 19:38 ·
  - Catriel Torres ¿Otro más enojado por la bolsa esa? Ya me está empezando a gustar la obra ganadora del Premio Petrobras...
    El Viernes a las 10:14 ·
  - Catriel Torres ¿Además saben porque gana una obra así? Porque está pensada para que los boludos se quejen. Y funciona.
    El Viernes a las 10:35 ·
  - Marcelo Rizzo
    Catriel, no creo que sea buen negocio que los boludos se quejen, nadie invierte para eso. por chico que sea el kiosko.Todo lo contrario el circo es bueno para que la plebe siga rumiando atónita antes de ir al matadero. Otra cosa es que opinen como vos o yo. No me interesa juzgar a ningún jurado ni a ningún premio. Me refiero a algo más abstracto que personas ( artistas, mercaderes, etc) obras (pinturas, instalaciones, mostradores, vidrieras) Simplemente digo que hay un clivaje entre el arte y las metáforas del poder. Es una premisa antropológica, a partir de la cual lo artístico sería excepcional en la nueva Roma. Las élites también tienen sus circos pequeñitos y más aún en este país que cree que la cultura se puede importar o dirigir. Un saludo
    
    El Viernes a las 11:00 ·
  - Catriel Torres Claro que las quejas no son el negocio, pero pero prueban que la obra es trasgresora.
    El Viernes a las 11:21 ·
  - Catriel Torres Además en la nota el periodista dice que Arte BA debería ser un espacio para el debate ¿Devatir que? Si nunca nadie dice nada, no tienen nada que decir ¿Cuantos blogs de artistas plásticos conocés? Blogs en los que digan cosas, que se actualicen regularmente. Yo como mucho conozco ,quizás, 5.
    El Viernes a las 11:25 ·
  - Marcelo Rizzo
    Eh Catriel hay mucho para decir, los mercados tradicionales (que no tenían como mercancía arte) fueron siempre ocasión para otros intercambios. No estaría nada mal abrir uno frente o variosfrentes alternativos . Los artistas también somo hablantes. Claro, coincido con vos que en muchos casos sería pedir peras al olmo: aquellos que se han acomodado a que la imagen es todo y entonces reflexión cero, bueno de esos mejor prescindir. Yo debato todo el tiempo, en la web , en el taller, en las muestras, pero obviamente no es suficiente,. No me dá el tiempo para más y es cierto que muchos se movilizan para hacer autobombo y coaliciones con los que cortan el bacalao. Si querés pasame esos blogs. Ah. fundamental la transgresión si es provocación creativa , pero "per se" no es necesariamente artística o si? otro buen tema para tratar. Como ves temas de debate sobran y ni hablar de la estela de exclusiones y componendas que dejan los Salones oficiales ufff ...
    
    El Viernes a las 21:10 ·

Boceto color para el Paseo Cultural “Carlos Núñez”

2011-05-26T14:47:00.000-07:00

Creo que tengo el boceto color para el mural de este sábado a la tarde en el Paseo Cultural “Carlos Núñez”.
Va a ser una obra que va a estar un mes, y la voy a pintar mientras mira la gente. Después va a tocar una banda de jazz. Va a haber varios sábados con jazz, con distintas bandas.
La imagen viene de las nenas con exoesqueletos que venía dibujando. Es una imagen que me obsesiona, debe ser un símbolo de algo mío. O es que miré demasiados animés...
Pero bueno el estilo no es de animé, es como una pantalla el tema ¿No? Como un velo.

Un buen boceto

2011-05-23T13:48:00.000-07:00

Un buen boceto

Este boceto fue el primer dibujo del bloc Nº6. No lo publiqué antes porque no me gustaba. Pero ahora me está sirviendo de referencia para pintar. Es raro como a veces lo que sirve para trabajar no son los bocetos que quedaron bien, en el sentido de "bien" desde los abstracto. Los buenos bocetos son los que tienen algo que te obsesiona. Si... son las imágenes que te obsesionan, es cuando lográs sacar algo de eso y ponerlo en el papel.

Esta semana voy a tener que dibujar mucho. El sábado voy a pintar un mural en una sala de exposiciones nueva en Avellaneda centro. Más allá de que tengo que tener un boceto, para pintar sin dudar, tengo que ejercitarme. Así no paso verguenza...

El que dice que @malepichot "es una pelotuda" está haciendo un juicio estético

2011-05-17T17:13:00.001-07:00

Ayer en twitter estaban todos discutiendo sobre la Loca de Mierda, otra vez. Yo publiqué estos tres twitts:

"La discusión sobre @malepichot debería ser estética.Lo es solamente del lado de los que la critican."

"Se supone que lo que hace es arte,sus monólogos.Y es un personaje, si decís "Es una idiota" es un juicio estético, fundamentado o no"

"Si decís "es exitosa y si la criticás sos un resentido y un perdedor" no estás haciendo un juicio estético, y tendrías que hacerte ver..."

Y me empezaron a correr por DM con que "es una idiota" no es un juicio estético. Así que tuve que intentar fundamentarlo un poco. Terminé mandando un email que decía esto:

"En el fondo es legítimo lo que cuestionás. Yo uso la palabra "estética" de una manera medio impropia.

La estética en la cultura occidental es una rama de la filosofía.

Según Foucault desde Descartes la filosofía dejó de ser una áscesis.

Empezó a ser un conocimiento que no requiere un cambio, una transformación, en el sujeto para ser aprehendido.

En la antiguedad existió Aristóteles como excepción,

pero en general la filosofía planteaba que para acceder al conocimiento había que actuar. Era necesario un trabajo sobre uno mismo,

una serie de lo que Foucault llama "prácticas de si". Esas prácticas de si transforman al sujeto y lo ponen en condiciones de acceder al conocimiento.

Pensá en los pitagóricos, en Platón es más en general la práctica de si, menos reglamentada. En los estoicos está bien documentado todo esto.

Ni hablar de las religiones y la magia, ahí al conocimiento ni siquiera se lo considera filosófico...

Bueno. Acá el problema, la confusión, es que esta concepción de la filosofía incluye a la estética.

Entonces la gente cree que se puede saber de estética sin hacer un trabajo sobre uno mismo.

Según esta concepción el contenido de un juicio estético estaría comprendido en la forma.

Lo digo así como puedo. Me dan mucho asco esas cuestiones, así que soy medio analfabeto en el tema...

Asi que ¿Cual sería el concepto de estética que yo manejo?

Para mi, y para los pintores serios en general, la estética es una áscesis.

Para acceder al conocimiento estético hay que trabajar sobre uno mismo.

Hay que pintar, hay que estudiar a los maestros.

Hay que "aprender a ver", en general se hace pintando naturaleza muerta con un maestro competente.

Una vez que uno aprendió a ver puede estudiar la historia del arte, antes no.

Sobre esto escribieron mucho los pintores, sobretodo Van Gogh. Está el diario de Delacroix,las cartas de Gauguin, un libro de Bourdelle...

Son casi todos documentos de siglo XIX a los que la historia del arte no le dió bola.

¿Que sería un juicio estético según esta concepción?

Sería un gesto, nada más. El contenido del juicio no se puede transmitir a alguien que no está a punto de experimentarlo por si mismo.

Es como lo que dicen los japoneses "El dedo que señala la luna no es la luna".

Por eso el que dice de @malepichot "es una pelotuda" está haciendo un juicio estético. No será algo muy elaborado, pero no se si da para mucho más."

Y si alguien no sabe de que carajo estoy escribiendo acá está el video:

¿Para que dibujar figura humana de memoria?

2011-05-16T05:42:00.000-07:00

¿Para que dibujar figura humana de memoria?
En general odio dibujar figura humana de memoria. Pero cuando empiezo a hacer estos garabatos me lo permito. Al principio las hago más figurativas. Pero a medida que me vacío voy tomando conciencia de mis límites, empiezo a ver los errores. Y veo el estereotipo en las cabezas, los ojos, el cuerpo, etc...
Al ver el estereotipo me inhibo, y lo dibujo aún peor. Eso es muy bueno. Ver.. Tomar conciencia de que "Lo que ves no es lo que sabés", como decía Attila . Ver que esa imagen no es real, es un error. En ese punto es cuando estoy listo para hacer croquis, con modelo vivo o con fotos. Con datos. Y si antes de trabajar con datos objetivos no me vacío voy a proyectar el estereotipo sobre la imagen real. Esto es exactamente lo contrario de lo que yo pensaba hace unos años. Creía que si uno dibuja de memoria se entrenaba en dibujar siempre la misma figura humana. El error es parte del proceso.

Estos bocetitos están en el mismo orden que en el bloc. Se ve como surge el tema de las nenas con esas piernas raras, tipo exoesqueletos.

Foucault y el mural BBW

2011-05-14T08:31:00.000-07:00

Foucault y el mural BBW

Terminé el mural de Mujeres Argentinas, se inaugura hoy. Más allá del mural en si lo que me llama la atención es la reacción de la gente. A todos les llamó la atención la gordita, todo el mundo tuvo algo que comentar. Esto no pasa con todos los murales, a mi nunca me había pasado. Lo mio fue algo bien lógico. Me pareció que si el mural debía ser algo así como un homenaje a la mujer no podía hacerlo por medio de un ideal que es una imagen que se usa para atormentar a las mujeres.

Me parece que esta imagen toca un punto sensible en lo que es nuestra cultura. Me recordó algo que decía Foucault en un reportaje:

"El cuerpo se ha convertido en el centro de una lucha entre los niños y los padres, entre el niño y las instancias de control. La sublevación del cuerpo sexual es el contraefecto de esta avanzada. ¿Como responde el poder? Por medio de una explotación económica ( y quizás ideológica) de la erotización, desde los productos de bronceado hasta las películas porno... En respuesta también a la sublevación del cuerpo, se encuentra una nueva inversión que no se presenta ya bajo la forma de control-represión, sino bajo la de control-estimulación : "¡Ponte desnudo... pero sé delgado, hermoso, bronceado!" A cada movimiento de uno de los adversarios responde el movimiento del otro. Pero esto no es "recuperación" en el sentido en el que hablan los izquierdistas. Es preciso aceptar lo indefinido de la lucha... esto no quiere decir que no terminará algún día."

(Michel Foucault, "Microfísica del poder" p. 107 Ediciones de la piqueta)

Esto Foucault lo dijo en 1975, ahora la situación es más compleja. Por ejemplo; las "películas porno" ya no exigen todas "¡Ponte desnudo... pero sé delgado, hermoso, bronceado!", ahora hay para casi todos los gustos. Pero en general la situación es como en 1975 ,aunque muchísimo más acentuada.

¿Que significa esto para las artes visuales?

Significa que uno de los conflictos políticos más importantes de nuestra época pasa por la estética. Esto es algo sin precedentes en la historia.

La gordita mural, reacciones

2011-05-10T16:16:00.000-07:00

Empecé un mural. Lo tengo que terminar esta semana. Se inaugura el Sábado junto con todas las obras de un proyecto de la Municipalidad de Avellaneda. Arreglaron las calle Mujeres Argentinas y pintaron, etc...
Y estamos pintando murales ahí, tienen que ser murales de mujeres. Yo elegí la imagen de esa chica, además de la estética, también por una cuestión ética ¿No? Las mujeres siempre se están quejando de las modelos anoréxicas, etc, etc, etc...
Los muchachos que estaban arreglando la calle se acercaron a ver que estaba pintando y les pareció muy buena idea haber elegido esa foto. Aunque sugirieron que hubiese sido mejor representar la figura vista desde atrás.
Después pasaron un señor y una señora grandes. El señor me dijo que era un poco gordita la chica. Pero a la señora le pareció bien "Le hace honor a la esquina. Acá vive la gorda dice...". El señor me dijo que "es que no vió la foto.Sinó se iba a enojar...".

PD: Estas cosas hay que anotarlas, sinó después uno se las olvida.

La revisión semanal

2011-05-09T11:36:00.000-07:00

Últimamente estoy tomando conciencia de que dibujar es un proceso. Se desarrolla en el tiempo. Diariamente, semanalmente, mensualmente, a lo largo de toda la vida.De alguna manera es algo que estaba implícito en algo que decía Attila. Que hay que ponerle fecha a los dibujos, y si hay varios del mismo día numerarlos. La obra es como un organismo vivo, que hay que cultivar. Por eso hay que organizarse.
Hay que hacer una revisión semanal. Una vez por semana agarrar todo lo que uno hizo. Las obras terminadas, los bocetos, los garabatos hechos en un bloc,en hojas sueltas todo. También lo que uno haya escrito, si anotó algún sueño también. Poner todo junto y revisarlo. Agarrar cada cosa, una por una, y ver
¿Qué es esto?

Difuminodependencia

2011-05-02T19:37:00.000-07:00

Me quedé pensando después de comentar en este blog

Hace unos cuantos años que no escuchaba, o leía, hablar de un difumino. Le tengo una gran repulsióin a esa herramienta, más si es para usar con lápiz de grafito.

Me acuerdo de Osvaldo Attila que decía:

"Sin modelado. El modelado es la precisión en los valores"

Yo a dibujar en valor con lápiz lo estudié en un seminario con Attila. Nos hacía dar el primer contraste con un lápiz duro, un H. Y había que darle un gris a todo lo que no fuese blanco en el dibujo, dejando un blanco chiquito. Era importante que ese blanco no se repitiera en ningún otro lugar. Y los otros blancos se hacían por contraste con grises más oscuros.

Es un ejercicio. El problema a veces es que cuando uno agarra un lápiz más blando para trabajar encima y dar los valores más oscuros no agarra bien. Es como que se cansa el papel. Por eso a veces me parece mejor pensar antes que valores van a ir en cada lugar. Y donde va a ser más oscuro empezar con un HB o un B.

¿Y esto que tiene que ver con el uso del difumino?

Que el difumino a veces da una falsa impresión de sutileza.

Pero lo sutil tiene que ser la precisión en los valores. Los grises del H son sutiles en relación con los valores más oscuros, de un 3 o 4B.

Igual entiendo que el difumino es para hacer algo más gestual. Pero en general es más un problema que una solución.Por eso está muy bien decir "difuminodependiente" no es un chiste, es algo muy serio.

EL POETA - ATAHUALPA YUPANQUI

2011-04-26T14:28:00.000-07:00

Algo curioso. En la página de la que saqué la letra dice "que lo primero es el hombre, y lo segundo, poeta" en vez de "que lo primero es ser hombre, y lo segundo, poeta.".En el video se escucha claramente que dice "ser hombre".
Y cuando dice "poeta de tiernas rimas vete a vivir a la selva y aprenderás muchas cosas del hachero y sus miserias" se refiere a eso ¿Que se aprende del hachero? Se aprende a ser hombre.
Pensemos en el leñador que libera a Caperucita Roja del estómago del Lobo Feroz. Son tipos duros.

EL POETA - ATAHUALPA YUPANQUI (ARGENTINA

Tú crees que eres distinto,

porque te dicen poeta,

y tienes un mundo aparte,

más allá de las estrellas.

Tú crees que eres distinto,

porque te dicen poeta,

y tienes un mundo aparte,

más allá de las estrellas.

De tanto mirar la luna,

ya nada sabes mirar.

Eres como un pobre ciego,

que no sabe a dónde va.

Vete a mirar los mineros,

los hombres en el trigal,

y cántale a los que luchan,

por un pedazo de pan.

Poeta de ciertas rimas:

vete a vivir a la selva,

y aprenderás muchas cosas,

del hachero y sus miserias.

Poeta de ciertas rimas:

vete a vivir a la selva,

y aprenderás muchas cosas,

del hachero y sus miserias.

Vive junto con el pueblo;

no lo mires desde afuera,

que lo primero es el hombre,

y lo segundo, poeta.

De tanto mirar la luna,

ya nada sabes mirar.

Eres como un pobre ciego,

que no sabe a dónde va.

Vete a mirar los mineros,

los hombres en el trigal,

y cántale a los que luchan,

por un pedazo de pan.

http://lanzarote.cuadernosciudadanos.net/pitingo/?blog=1003112&page=1&disp=posts&paged=2

Dibujo del Lunes 1

2011-04-25T13:53:00.000-07:00

Todos los lunes voy a publicar un post de dibujo. Un dibujo o una presentación con muchas imágenes de un bloc. La imagen es un dibujo en lápiz de grafito desde H hasta 5B. Lo elegí de los de un bloc Nº6.
Estuve dibujando mucho este fin de semana. Hacía tiempo que no me ponía a dibujar así. Me aclaró muchas cosas en cuanto a lo que quiero hacer con mi vida, me cambio la mirada, me llenó de proyectos. A veces uno busca afuera lo que está adentro y hay que organizar en un dibujo.
Estos dibujos los hago lento, voy probando. El trabajo gradual con los valores me permite ir replanteando la forma.

vergüenza

2011-04-21T06:57:00.000-07:00

"La vergüenza es índice del deseo de pertenecer a un grupo sin ser reconocido por él."

“hay un concepto que define al artista en América más por la acción que por su obra. Es más importante el momento de interacción con la comunidad que la obra misma. Ésta tiene significado si el artista puede significarla desde la acción misma” ( http://discursovisual.cenart.gob.mx/dvweb16/agora/agodiego.htm )

¿Y yo? Yo no interactúo con la comunidad, me da vergüenza.

Porqué me colgué con el blog

2011-04-20T07:46:00.000-07:00

Creía que era por las vacaciones. Los viajes, la ansiedad por volver a pintar mis murales.

Pero la verdad es que durante ese tiempo estuve trabajando en unos cuadros que me costaron mucho trabajo. Y al final publiqué las fotos de todos juntos en un par de posts.

http://catrieldibuja.blogspot.com/2011/02/vicky-y-su-exoesqueleto.html

http://catrieldibuja.blogspot.com/2011/02/terminator.html

Ayer estuve mirando este blog. Y vi que hay fotos de mis murales, de obras terminadas, presentaciones de blocs de bocetos enteros. Obras terminadas. Ese es el problema, por eso le perdí el gusto a mi blog. A mi el blog me gusta usarlo para registrar el proceso mientras se va desarrollando. El proceso además es lo que me gusta ver después de mucho tiempo "¿Como hice esto? Ah, mirá vos, eso estaba pensando mientras trabajaba..."

¿Por que empecé a publicar solamente obras terminadas?

Un poco por vanidad, por querer que mi blog le guste a la gente. Es un hecho que los posts donde muestro una obra terminada tienen más visitas. Más si es importante, un mural.

Pero ahora que me di cuenta eso va a cambiar. Voy a volver a lo que era este blog al principio. Voy a publicar lo que voy pensando, los bocetitos, las imágenes de artistas que me inspiran. Algo más íntimo.
La imagen es El Colgado, del Tarot que hice en collage hace un tiempo.

Sincronicidad y collage

2011-04-17T11:11:00.000-07:00

Lo increíble de esto son los fósforos. Estaba casi terminada y vi que le faltaba un fósforo a la chica.
Tenía que comprar fósforos. Salí a hacer otras cosas y olvidé comprarlos.Salí otra vez y en la Avenida Mitre vi una cajita de fósforos tirada en el piso. La pateé para ver si tenía y estaba llena. Elegí pegarle un fósfor doble que encontré en el fondo.
Últimamente estoy pintando muy poco. Estoy terminando mi mural, pero la pintura de caballete la tengo abandonada. Me pasa desde que empecé a anotar, y recordar, mis sueños. Y a interpretarlos. No se que me pasa. Pero recordar mis sueños es algo muy nuevo para mi. Tuve que hacer un gran esfuerzo para empezar a recordarlos. Fue después de empezar a leer mucho a Jung. Compré "El hombre y sus símbolos", "Los complejos y el inconsciente", "Cosas que se ven en el cielo", "Psicología de la transferencia", "Psicología y educación","Interpretación de la naturaleza y la psique" y "Transformaciones y símbolos de la libido". También volví a leer los que tenía de antes "Psicología y alquimia" y parte de "Tipos psicológicos", y en la pc volví a leer la autobiografía "Recuerdos, sueños, pensamientos".
Quizás sea el momento de dejar de leer tanto. Mejor intentar dibujar algo con todo esto. El acontecimiento con los fósforos quiere decir eso, es un caso de sincronicidad, los símbolos empiezan a desbordar hacia afuera.
Tomar lo que aparece afuera y pegarlo en la pintura.

Vicky y su exoesqueleto

2011-02-15T13:18:00.001-08:00

Náufrago

Vicky y su exoesqueleto

Las últimas dos pinturas de la serie, terminé la serie de telas chiquitas que compré antes de ir a la playa.

Acá están las anteriores.

Estos son casi ilustraciones, sobretodo el de Mc Donal´s. El otro es una escena de un ejercicio de imaginación activa junguiano.

El de Mc Donal´s no iba a se de Mc Donal´s. Pero mientras pintaba intuí la "M", y me hacía falta una forma así ahí, sinó me quedaba como achatada esa figura. Le da una continuidad al amarillo del cuerpo, es como que le ancla todas las formas. El boceto lo había hecho en clase de Historia de la Educación:

Vicky y su exoesqueleto es el último. No pensaba terminarlo, lo iba a tapar y pintar otra cosa, porque no me gustaba la composición. Lo cual es natural por el proceso que seguí para empezarlo. Elegí un collage de un cuaderno de bocetos, lo recorté y lo pegué en la tela. Agarré una foto de playa y manché un fondo. Para los anteriores había hecho bocetos de la composición general.

Decidí seguirlo porque me interesaba lo que estaba contando, y el diseño del exoesqueleto me gustaba mucho, viene de una figura de mi primer mural:

En el cuadro la cabeza de calavera no se ve porque está echada hacia atrás, es por donde es abre el exoesqueleto para entrar, por afuera es de piedra y por adentro es de carne. La playa también estaba en la visualización.

Terminator

2011-02-07T13:29:00.000-08:00

GIRL POWER

Sol de pelota

Bondage

Pez Magic

Estoy terminando las pinturas que dejé a medio hacer cuando me fui a la playa. Las dos de arriba son de la semana justo antes de viajar, ya pensando en la playa, salieron mucho mejor las pinturas que el viaje. Como siempre.
Las otras dos son de antes, y las tuve que trabajar mucho más, estaban apenas manchadas, con todo sin resolver. Estoy muy contento como quedó "Pez Magic". Le puse ese título porque tiene pinta de carta Magic. Tiene una luz muy diferente a lo que venía pintando, es como que está a medio camino entre el claroscuro y el color, es complicado eso...

Libro "Berni los ojos"

2011-01-08T11:40:00.000-08:00

Ayer leí el libro "Berni los ojos". Lo devoré en un día. Es un libro muy indiscreto, escrito por un periodista del diario Clarín. Fue entrevistando a la gente que lo conoció. A su hija Lili Berni, a su tercera pareja Sunula, a su hijo. Y los ayudantes, las cosas que cuentan los ayudantes son de lo mejor del libro.
Me sorprendió enterarme que sus collages importantes no se vendían. Que recién tuvieron precios dignos en los años 90. Es increíble la vulgaridad y el mal gusto de los coleccionistas argentinos, durante los 80s sus collages importantes, de gran formato, no se vendían ni siquiera a $18.000. Lo bueno de esto es que así uno lo siente contemporáneo a Berni. En vez de ver las series de Juanito y de Ramona como algo de los 60s y 70s, algo prehistórico, antediluviano, vendrían a ser el arte de los años 90, y uno ya había nacido.
También me sorpendió como Berni respetaba a alguien como Marta Minujín. Y a toda esa gente...
Yo creo que eso era porque con los otros artistas era un tipo bastante jodido, competitivo, y no se echaba a menos. Se metía en medio del quilombo y absorbía todo. Cuando ganó en la Bienal de Venecia todos esos artistas jóvenes lo querían matar.
Tiene muchísimas cosas interesantes este libro. Es como para ir desmenuzándolo de a poco.

Estoy pintando un angel

2010-12-26T10:09:00.000-08:00

Estoy pintando un angel. Tiene mucha inta de animé, como un poster. En la última sesión le pinté el cielo, lo saqué de una foto. Era un cielo de un celeste frio arriba, que se iba aclarando y neutralizando para abajo, y abajo de todo era un neutro cálido y alto que se veia cmo un naranja amarillento. Quedó bastante luminoso.El deradado no está esfumado, tiene una factura gestual, pero no quedó desprolijo, la textura le dió profundidad.
Le puse linea a las plumas, me gusta como se ve de lejos, pero de cerca me parece que prefiero algo más saturaso, no ese marrón.Queda desprolijo en ese color. Quizás un rojo o un neutro frio que levante un poco. En todo caso lo que puedo hacer es bajar el valor de las plumas con una veladura, así se reduce el contraste con la linea. Y arriba de eso le puedo mandar de vuelta la luz de las alas.
Le pinté de verde la cabeza , para romper un poco la paleta de complementarios. Quizás le cambie bastante el dibujo.Podría ser una cara parecida a las cabezas románicas, bien sintética.
Estuve pensando en el contenido, le falta, está muy seco. Ahí donde en el original está el fueguitoi le coy a poner un mandala blanco y negro. Y en el cielo le voy a poner 7 mandalas, uno de cada color.Así representarian los 7 planetas, los 7 rayos, etc...
Así tampoco va a quedar tan ortodoxo. POrque en total van a ser 8 mandalas. Así que va a estar esa oscilación entre el 7 y el 8 que tanto le gusta a Jung. En cuanto a técnica está mal poner todos los colores en un solo cuadro. Pero es grande, mide 150x200.Poero está bueno forzar algunas cosas cuando el sinificado es muy apremiante.
También le faltan los ojitos de las alas, se los voy a hacer en collage, lo mismo que los mandalas.

Notas sobre la BRP, del encuentro en Godoy Cruz

2010-12-26T09:40:00.000-08:00

Notas sobre la BRP, del encuentro en Godoy Cruz

Esto es algo de lo que anoté hace unos meses durente el encuentro muralista en Godoy Cruz, Mendoza. Fue mientras conversaba con gente de la BRP.

-Trabajan con símbolos. Van poniendo los símbolos uno al lado del otro y los combinan con las cosas que va sugiriendo la gente del lugar. El contenido de los símbolos se enriquece por la yuxtaposición , por el contexto.

- Primero los "trazadores" dibujan, después se colorea colectivamentesiguiendo las intrucciones del maestro, que mira la obra desde una distanci adecuada. Al final los trazadores hacen el "filete", definen la linea con negro. El filete emprolija los bordes de los palnos y armoniza el color.
Cuando hay tiempo modelan los planos, generalmente lo hacen con blanco o negro.
Estuve hablando con Pato, que es trazador, y me decía que cuando es una obra individual suya a veces no hace el fileteado, pero tiene cuidado con la presición de la forma y la factura de los planos de color.

- El tema del mural lo deciden en el momento, sin boceto. Hablan con la gente del lugar y les generan conflictos. Van directamente a la pared mientras hablan, y van incorporando al mural las cosasquedice la gente. Después le dan colores y les van diciendo donde van. Tienen su sistema tan bin definido que hasta lo pueden hacer con gente que habla un idioma desconocido.
Dicen: "No somos aristas, hacemos agitación política.No tenemos nada que ver con el arte"

Se parece a las que bailan butoh

2010-12-16T04:53:00.000-08:00

"Se parece a las que bailan butho..."

Hace unos meses, durante el encuentro de muralismo en Godoy Cruz, Mendoza, le mostré las fotos de mis murales a Analía, una chica de la Brigada Ramona Parra, amiga de los Oberoles. Y le llamó la atención nena de mi mural en la casa embrujada:

Me dijo que estaba maquillada como los que bailan Butoh. A mi en ese momento "Butó" me sonó a Africano, no me imaginé que era algo japonés. Pero después lo googleé y vi que era algo que tiene que ver con la religión Shinto. Y me sorprendió ver que la danza Butho era la forma culta de el concepto en el cual yo me había inspirado.
Yo cuando pinté ese mural pensé en los fantasmas de las películas japonesas como Ju on, Ringu, y todas las de chinitas muertas con los pelos en la cara, que estuvieron de moda hace un par de años. Y bueno, la forma tan particular de moverse que tienen estos fantasmas está tomada de esta danza, y es algo tradicional de los japoneses que a mi me había llegado en su forma más vulgar.

En Godoy Cruz también casi tuve una discusión estética con Miriam, del grupo Paredón y Después. Miriam decía que a ella njo le gustan las películas de terror.Que le gustan las películas para pensar, el cine argentino.
Y decía que las películas de terror no son para pensar, que ya traen todo armado. Pero a continuación negó hacer dicho esto, así que no me fue posible plantear nada...
Pero sirve para pensar acá, que para eso es el blog.
Puede ser, si, en el cine comercial ya viene todo armado. No es "para pensar".
Para pensar con estas películas hay que descomponerlas en los distintos elementos con los cuales "está todo armado". En el caso de "Ju on" la danza Butoh es uo de esos elementos.
Podríamos pensar en la relación entre una danza tradicional japonesa, que forma parte de una cultura de elite, y una película comercial, un producto de la cultura de masas.
Pero solamente pensar en todo el trabajo que sería pensar en esto me abruma.
Pero mi mural...
¿Será para pensar?

Mide 20x5

2010-12-07T13:49:00.000-08:00

Retomé este mural el otro jueves, trabajé toda la semana pasada acá. Falta mucho todavía.

Le tengo que poner relieve en el sol. Ajustar la composición general, trabajar la figura de la nena, empezar a pintar un arbol a la derecha...

Está bien ubicado, este bajopuente está sobre la avenida Belgrano, en Avellaneda.

Nuevo mural: Cabeza de Víbora

2010-11-23T09:47:00.000-08:00

Terminé un nuevo mural en Avellaneda. Es en 9 de Julio y Belgrano, a la vuelta del Hospital Fiorito.
Era una pared muy difícil, porque está muy fragmentada por la arquitectura.

Acá se ve bien lo que digo de la arquitectura.
Tiene esas columnas, unas ventanas, el zócalo.
Es una pared muy irregular.
Y los espacios que genera son muy chiquitos como para poner figuras.

Por eso la serpiente, para aprovechar la forma de la pared.

José Carlos Martinat ... perdón, digo MARTIN RAT

2010-11-15T08:49:00.000-08:00

"El peruano José Carlos Martinat viene exponiendo en diversas galerías graffitis apropiados. Y esto quiere decir literalmente apropiados: los trata con químicos en las paredes de la ciudad donde los encuentra, desmonta trozos de esas paredes, deja un hueco y expone lo que se lleva en una galería. Pero cuando lo hizo en la galería Liprandi, hubo una variable que no contempló: lo que se apropió en las calles de Buenos Aires no eran graffitis sino street art con dueños concretos. Dueños que tomaron por asalto la galería en un operativo comando digno del Guasón."

Así arranca la nota del periodista Claudio Iglesias en Página/12

La verdad que estoy orgulloso de que acá en Buenos Aires no se pueda hacer una exposición
robando obras así como hace José Carlos Martinat.
En la nota también cuenta que los vecinos
de donde estaban las obras acompañaron ese día a los autores en la galería.
Osea que la gente del lugar realmente se apropia de estas expresiones.
A pesar de que en general el street art tiene que ver con poéticas muy personales de cada artista,
y que no se hace hablando con los vecinos ni nada por el estilo.Bueno, aún así sintieron que José Carlos Martinat les robó algo suyo.
Algunos de los artistas eran nerf, corona, jaz, mart y mondo lila.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-6612-2010-11-14.html

¿Es actual la pintura?

2010-11-11T04:24:00.000-08:00

Tendríamos que conocer, averiguar, los números exactos.
Pero es evidente que hoy se produce, se fabrica, más pintura que nunca.
Más pinceles, bastidores, lápices acuarelables, pasteles, etc...

También hay más talleres, más artistas que dan clase.
¿Más artistas que toman clase?

Se pinta más que en cualquier otro momento de la historia, y la prehistoria, de la humanidad.
Y se pinta con la intención de hacer arte.
Desde este punto de vista la pintura es actual, vive un momento de apogeo.

Lo que no es actual quizás sea cierta manera de ver y hacer el arte,tan enfocada en la obra.
Ahora es más importante el proceso, y más que el proceso la relación de los artistas entre si y de cada uno consigo mismo. La "experiencia" en el sentido que le da Foucault. Aunque en este contexto no se si la palabra "artista" es adecuada. Creo que el arte se está transformando en una disciplina para desarrollar cierta clase de subjetividad.Es la manera que encontramos de producir los sujetos que estamos siendo nosotros.No se si el arte siempre fue eso....

Análisis de mi mural del encuentro en Godoy Cruz

2010-11-04T07:01:00.000-07:00

En el encuentro de muralismo en Godoy Cruz me habían preparado una pared para pintar el mural.
Pero cuando llegamos ya había un mural pintado.Ese mural lo pintó alguien que no tenia nada que ver con el encuentro de muralismo, alguien de Godoy Cruz que vió que le blanquearon la pared y le dieron ganas de pintar.
Pero a mi me gustó mucho la pared de al lado.No la habían preparado porque le caia una enredadera encima.Me entusiasmó la idea de incluir la enredadera en el diseño, y que la imagen siga por afuera de la pared.Además venía bien para el significado, porque tenía que ser un mural ecologista.

En este detalle se ve bien como hice un diseño muy decorativo en base al color y la forma de las hojas.

Ahí están las retroexcavadoras , las hice en rojo para subrayar que son opuestas a la naturaleza, con el par de complementarios rojo-verde. También se ve la hoja de vid.Como es en Mendoza es muy importante.

Sobre el primer plano de verde dibujé con rojo.Me gusta como queda la linea de color.Al final definí con una linea oscura, pero la linea roja le da un efecto raro.

Además de la hoja de vid le hice los ojos color uva. Me gusta como quedó el violeta.Es un violeta hecho sin magenta. Se ve bien violeta por el contraste con el verde.Y por ser planos chicos, de modo que la vibración del color se concentra. También se ve como la enredadera se integra como pelo.

Un año en cuatro días

2010-11-02T08:11:00.000-07:00

Recién llegué del encuentro de muralismo. En Godoy Cruz, Mendoza. Ahí conocí a los Oberoles, a los chicos de la BRP, a los Paredón y Después.A la gente de derechos humanos de ahí de Godoy Cruz, que nos recibieron con la mejor onda y trabajaron muchísimo. Estuve ayudando a Carina con su mural, a Carpita también.
Cada charla informal mientras descansábamos podía darnos datos clave sobre arte público, sobre la manera de trabajar de nuestros colegas. Tanto cuando hablábamos con otros realizadores como cuando hablábamos con los organizadores.
Trabajé en tres murales.En el mío, en el de Carina y en el de Carpita. En el de Carpita trabajó un montón de gente. Un mural enorme y complejo. En mi mural pinté al lado de Los Oberoles, y hablamos de un montón de cosas durante el almuerzo ahí en la obra.
Con los chicos de la BRP pude hablar durante la cena, y un rato los vi trabajar en su mural.
Tengo todo muy mezclado en la cabeza. Durante las próximas semanas voy a ir publicando acá todo lo que vi. Para procesarlo. También esto de traer todo al blog puede ser una herramienta para seguir conversando.

Bloc de dibujo 30/09/2010

2010-10-24T10:48:00.000-07:00

Es todo el bloc de bocetos del mes pasado. Creo que duran más o menos un mes estos blocs.
Dibujo con birome porque así puedo dar grises claros y a diferencia del lapiz no se borronea.
El lapiz por más que lo fije se hace un enchastre, porque los paseo mucho estos blocs y se van rozando las hojas entre si.
En el video puse todos. No hice una selección. Me parece que con estos blocs lo mejor es pensarlos como una secuencia.